Bøker utgitt av Marsilio

New spatial and architectural works from the influential American multimedia pioneerPublished in conjunction with the exhibition at Pirelli HangarBicocca in Milan, this monograph presents the most up-to-date compilation of the spatial and architectural works of New Mexico-based artist Bruce Nauman (born 1941). Through his neons, corridors and room installations, Nauman accentuates the contrast between the perceptual and physical experience of space. Perception itself can be interpreted as the subject matter of his work; the aesthetic experience of entering a narrow corridor or an empty room flooded with neon light supersedes the art "objects" in the viewer's experience.The volume includes newly commissioned essays on Nauman's conceptual developments and formal variations by scholars, conservators and curators such as Joan Simon, Francesca Esmay and Gloria Sutton, and a text by the exhibition curators. Alongside rich photographic documentation of the show, the publication also features entries for the 30 works on display written by researchers from international institutions.

Il volume nasce in occasione della mostra Letizia Battaglia, Fotografia come scelta di vita, (Venezia, Casa dei Tre Oci), un volume antologico che raccoglie ben 300 scatti, molti dei quali inediti, provenienti dall¿archivio storico della grande fotografa, con l¿intento di raccontare un¿artista, una donna e una vita. Letizia Battaglia è riconosciuta come una delle figure più importanti della fotografia contemporanea non solo per i suoi scatti saldamente presenti nell¿immaginario collettivo, ma soprattutto per il valore civile ed etico da lei attribuito al fare fotografia. Nel catalogo oltre al saggio introduttivo della curatrice Francesca Alfano Miglietti, sono presenti interventi di noti personaggi quali il sindaco di Palermo Leoluca Orlando, Filippo La Mantia, e il fotografo Paolo Ventura. Un saggio di Maria Chiara Di Trapani racconta inoltre la vita nell¿archivio della fotografa. Si presenta una Letizia Battaglia inedita, fotografa di mafia ma anche della bellezza: dagli omicidi di piazza a Milano negli anni settanta agli animali, le coppie, i baci; l¿inconsapevole eleganza delle bambine del quartiere Cala a Palermo; le processioni religiose, lo scempio delle coste siciliane, i volti di Giovanni Falcone, Pier Paolo Pasolini e di tante donne nelle quali la fotografa si rispecchia. Nel volume si documentano inoltre l¿impegno politico, l¿attività editoriale, quella teatrale e cinematografica e la recente istituzione del Centro internazionale di fotografia a Palermo.

This volume is published for the largest exhibition to date on Chinese painter Yan Pei-Ming (born 1960), who is known for his history paintings and monumental gestural portraits of intimate subjects as well as public figures such as Mao, Putin and the Pope.

Collection assembled by Patrizia Sandretto Re Rebaudengo.

From Pucci's psychedelic patterns to Iuter's skate-inspired prints: how Italian designers have led innovations in textiles throughout the 20th centuryThe dynamic geometrical patterns of Emilio Pucci; the dazzling trompe-l'oeil effects of Roberta di Camerino; the pop sensibilities of Gianni Versace and Franco Moschino; the bold street-style prints of Iuter and Sunnei--these and countless other innovations have made Italian design a leading force in the history of 20th-century textiles.This volume documents the history of Italian textiles from the beginning of the 20th century through to the present day, exploring their evolution in relation to the dominant styles of various periods. This is a history deeply interwoven with the birth of the totemic "Made in Italy'' concept, as textiles have significantly contributed to Italy's international reputation as a bastion of high-quality fashion and design. Numerous Italian artists, fashion designers, product designers and companies have pioneered and popularized a vast range of manufacturing processes that incorporate local fabrics and innovative techniques.Featuring sumptuous illustrations of finished fabrics, preparatory drawings and photographs, Italian Textiles compiles the country's most notable design coups. Among the thematic sections in the book are those dedicated to scarfs, skirts, shirts, ties, wallpapers, tablecloths and various other fabricated objects.Designers include: Fede Cheti, Enrico Coveri, Roberta di Camerino, Dolce & Gabbana, Salvatore Ferragamo, Lucio Fontana, Piero Fornasetti, Mariano Fortuny, Gucci, Iuter, Franco Moschino, Bruno Munari, Gio Ponti, Prada, Emilio Pucci, Ken Scott, Ettore Sottsass, Sunnei, Valentino and Versace.

Statement of responsibility taken from colophon recto.

Published on occasion of an exhibition held at the Istituto veneto di scienze, lettere ed arti, Venice, Italy, January 28-April 27, 2023.

Chronicling an extraordinary decade in Italy's history as a creative hub for some of the 20th century's greatest artistsConceived of as a chronological journey through three Italian cities--Turin, Rome and Naples--this volume presents a photographic history of the extraordinary decade during which Italy was a hotbed of creative experimentation, frequented by the foremost pioneering artists of the day, from Jannis Kounellis to Andy Warhol.

From Lina Bo Bardi to Elizabeth Diller: how women have reshaped the disciplineIn the space of a few decades, the perception and culture of what an architect can be has evolved from the stereotype of "one man at the helm" to a far more complex and diversified range of possibilities: couples, collectives and teams of all kinds. But it is the ever-growing and ever-more influential presence of women that characterizes the discipline in our time.In the exemplary cases and stories presented and illustrated in this volume, reflecting not only the quality of the architecture but also the great variety of contexts and professional configurations, we find the most important names of the recent past (Zaha Hadid, Cini Boeri, Lina Bo Bardi) and the present (Elizabeth Diller, Kazuyo Sejima, Grafton Architects): women at the head of large firms, who may work alone or who collaborate with other women or a partner, or who are members of collectives.

A traveler's guide to key works by the greatest Neoclassical sculptor, on the 200th anniversary of his deathOften regarded as the greatest of the Neoclassical artists, Antonio Canova (1757-1822) combined Greek and Roman sculptural idioms with a nascent Romanticism to forge a new vocabulary for Neoclassicism. Even within in his own lifetime, Canova's works could be found in major collections across the world, from the United States to Russia.Marking the 200th anniversary of the artist's death, this guidebook offers a series of itineraries to guide the visitor on an exploration of the many works left by the sculptor, painter and architect in his home region of the Veneto, with which he always maintained close ties. The museums, palazzi and churches of Possagno, Bassano del Grappa, Vicenza, Padua, Verona and Venice are filled with Canova's works, and with sites relevant to his life. Canova in the Veneto thus offers a fresh way to discover the Veneto region.

A career survey of acclaimed installations from the master orchestrator of sensory experienceIcelandic Danish artist Olafur Eliasson (born 1967) is guided by a keen interest in perception, movement and lived experience, as well as those of the communities in which he works. Best known for his large-scale installation, Weather Project, which occupied the Tate Modern's Turbine Hall in 2003, Eliasson often makes use of elementary materials such as light, water and temperature-controlled mist to create an immersive or spiritual experience for his viewers. His practice is not limited to the confines of the museums and galleries where he shows, but also involves local communities through architectural projects, interventions in public spaces and artistic, social and environmental education programs. This volume presents an overview of Eliasson's 30-year career, including a selection of site-specific works, and features a collection of texts chosen by the artist that have inspired his practice.

An illustrated guide to Rome through the life and art of the legendary Baroque painter The Italian Baroque painter Guido Reni (1575-1642) arrived in Rome in the early 17th century, where he painted extensively, forging a vision of the city that was uniquely his own. This volume introduces readers to Rome as seen through the eyes of this Bolognese master, including portraits of him upon his arrival in and departure from the city, and explores the current affairs of his day in order to contextualize the artist's great success. Images and descriptions of 22 locations around Rome--museums, churches, private and institutional residences--are presented in short descriptive texts focusing on the 17th century, as well as in engravings or paintings portraying them as they were when Reni was living there. The book also includes a selection of 27 works by Reni, accompanied by information regarding their iconography, history and conservation.

Catalog of an exhibition held at the Galleria Borghese, Rome, Italy, March 1-May 22, 2022.

For the Tuscan tourist, a user-friendly guidebook to the Renaissance sculptor's masterpiecesDonatello (c. 1386-1466) is one of Western art's greatest sculptors, the brilliant exponent of a new simplified, elegant form in Renaissance art. Many of Donatello's most revered masterpieces remain in Tuscany--the region in which he was born--including St. George (1415-17), David (1430-40) and Penitent Magdalene (1455)--a fact that significantly contributes to the region's status as one of Italy's top tourist destinations.This publication is part survey, part guidebook, mapping the sculptor's preserved works throughout Tuscany, organized by location. Published alongside the major touring exhibition--which is set to travel to Berlin and London after Florence--Donatello: In Tuscany distinguishes itself from other publications on the Florentine sculptor by indexing the artwork that is accessible to visitors with up-to-date scholarship and geographical information.

A photographic and textual documentation of David Chipperfield's long-awaited restoration of St Mark's SquareThis volume follows the long-anticipated restoration work on the Procuratie Vecchie in St Mark's Square in Venice, as overseen by David Chipperfield Architects. Thousands of people walk past the landmark each year, oblivious to what resides within. In April 2022, the building opened for the first time in 500 years, housing humanitarian organizations such as the Human Safety Net foundation.St Mark's Square is often regarded as Venice's central community complex; Venice, in turn, is often regarded across the globe as an architectural mecca. Accordingly, the major restoration has drawn a number of critical reflections by both Italian and international thinkers. Venice Lab gathers these essays from scholars and artists, as well as interviews with the architects involved in the restoration, conveying the project's pluralistic vision for the lagoon city.

Published on the occasion of an exhibition held at the Casa dei Tre Oci, Venice, Italy, March 11-October 23, 2022.

Probabilmente è una teoria un po' azzardata ma è innegabile che il primo Rinascimento sorse grazie alle sculture di Donatello, capaci di modificare per sempre il modo di ritrarre il soggetto: non più icona immobile ma persona reale, intrappolata nel marmo, nel bronzo o nel legno. Donatello è fra tutti gli artisti del Rinascimento quello che prima e più profondamente di ogni altro ha sentito che la forma non è bella per se stessa, ma per i sentimenti che rivela, così che non bastano all¿arte la padronanza completa del mestiere, la suprema precisione dell¿occhio e della mano, ma è necessaria l¿espressione di uno stato d¿animo. Con "Donatello. Il Rinascimento", il curatore Francesco Caglioti, il più grande studioso al mondo di Donatello, ricostruisce lo straordinario percorso di questo maestro, mirando ad allargare la riflessione nel tempo e nello spazio, nei materiali, nelle tecniche e nei generi, e ad abbracciare finalmente le dimensioni dell¿universo dell¿artista.

Il volume, disegnato da Irma Boom e ideato insieme allo stesso Steve McQueen, a cura di Vicente Todolí, raccoglie alcune delle opere più rappresentative realizzate negli ultimi vent'anni dall'artista e regista britannico. Negli ultimi anni l'artista ha infatti esercitato una grande influenza sull'utilizzo della cinematografia come medium artistico, realizzando alcune tra le più significative opere con immagini in movimento ideate per spazi espositivi e ha diretto quattro lungometraggi: Hunger (2008), Shame (2010), 12 anni schiavo (2013) e Widows - Eredità criminale (2018). In Pirelli HangarBicocca, negli spazi delle Navate e del Cubo, sono presentati video, film e installazioni in stretta connessione con il contesto architettonico industriale, oltre a un progetto espositivo unico e site-specific, con opere riunite qui per la prima volta che danno vita a una narrazione visiva, rivelando il radicale approccio dell'artista alla realtà e offrendo l'opportunità di conferire nuove letture al lavoro di McQueen. Il titolo dell'esposizione prende spunto proprio dall'omonima installazione video inedita dell'artista, Sunshine State (2022), commissionata e prodotta dall'International Film Festival Rotterdam (IFFR) 2022 e presentata qui in anteprima assoluta. Come osserva Vicente Todolí, «¿Sunshine State¿ approfondisce ulteriormente i temi ricorrenti nella pratica di McQueen, esplorando questioni attuali e urgenti come l'identità e il post-colonialismo, mettendo in discussione l'instabilità e la fragilità dell'idea di libertà individuale nel mondo occidentale. Partendo dall'esperienza e dall'oppressione delle comunità nere discriminate, McQueen sviluppa una riflessione più ampia sull'essere umano. Nei suoi film sperimentali e video, l'artista proietta poeticamente la propria presenza sui soggetti raffigurati, sottolineando lo stretto legame tra essenza corporea e soggettività, tra la realtà e la sua rappresentazione». Il volume dà ampio spazio a testi critici di storici dell'arte e curatori ¿ Paul Gilroy, Cora Gilroy-Ware, Solveig Nelson ¿, a una conversazione con l'artista a cura di Hamza Walker e a una ricca documentazione fotografica dell'esposizione.

Alquanto sfuggente nel rilasciare interviste, Maurizio Cattelan riveste perfettamente il ruolo di intervistatore. Per vent¿anni, dal 2001, ha tenuto costantemente conversazioni e dialoghi con altri artisti ¿ a volte direttamente, talvolta per interposta persona, o qualche volta in spirito ¿ per la prima volta. La lista degli interlocutori costituisce uno sbalorditivo coro di voci, oltre che un album di famiglia sui generis, spaziando da artisti emergenti ad altri affermati ¿ alcuni dei quali scomparsi ¿ e include figure di creativi quali architetti, designer, chef, pensatori, scrittori, editori, truccatori, celebrità di Instagram e personaggi del mondo della moda e dello spettacolo. Originariamente pubblicate su riviste e quotidiani, in monografie di artisti e cataloghi di mostre, queste oltre 130 conversazioni sono qui ristampate in copia anastatica, nella loro veste originale. Come le tessere di un mosaico, le interviste concorrono a creare un ritratto unico e inedito della cultura visiva degli ultimi decenni, così come della pratica di Maurizio Cattelan e della sua ricerca sull¿identità, la società in cui viviamo e il potere delle immagini.

The Challenges of a Project for the Future. A laypersons guide to one of the greatest engineering projects of our time

A ghostly portrait of an untenanted Venice

A century of innovation from "the Bible of fashion and of high society," featuring magazine covers, illustrations, ephemera and moreFounded in 1921, the iconic French fashion magazine L'Officiel was designed for fashion designers, buyers, clothing manufacturers and agents. Within a short time, it helped start the careers of designers such as Pierre Balmain, Cristóbal Balenciaga, Christian Dior and Yves St. Laurent. On the occasion of L'Officiel's 100th anniversary, this superbly designed volume appraises the magazine's august history and the culture around it. With 1,000 illustrations, carefully selected from the magazine's invaluable archives, it offers an overview of the fashion industry and its history from Paul Poiret to Christian Dior, supermodels and "It Girls," also exploring Paris as a fashion capital. Among the themes explored by the authors are newness, globalism, artistry and "Frenchness." Through magazine covers, illustrations, design, photographs, advertising campaigns, iconic accessories, portraits and artworks, the reader will rediscover old celebrities and encounter a veritable tapestry of connections between eras.

"Per me, una natura morta, un filo d'erba bagnato di rugiada o con una goccia di pioggia o il torrente di lava dell'Etna o le sparatorie nelle vie di Budapest in rivolta, sono sullo stesso piano. La differenza potrebbe essere nel pericolo che si corre per fermare un'immagine di una rivoluzione in corso, ma la passione e l'intensità con cui si manovra l'obiettivo, con cui si guarda ciò che si fotografa, è sempre la stessa". (Mario De Biasi)

Vele rosse: come battiti d¿ali nel cuore della laguna. Viste dall¿alto sembrano farfalle monocrome che surfano sull¿acqua, alla ricerca del vento più propizio. Viste dalle rive della città sembrano una sfilata di bandiere in un¿infinità di sfumature di rosso. Uno spettacolo sorprendente e altamente suggestivo che, se da un lato vuole celebrare l¿antichissima e vitale tradizione marittima veneziana, dall¿altro intende porre l¿attenzione sui rischi che sta correndo Venezia. Nulla, in "Red Regatta", è stato lasciato al caso: tutte le vele sono state realizzate su misura per ciascuna imbarcazione, ogni sfumatura di colore è stata predisposta da Melissa McGill che ha poi dipinto a mano i tessuti, aiutata dagli studenti dello Iuav. Infine ciascuna barca, dal fondo piatto e con albero rimovibile, è un modello tradizionale equipaggiato rigorosamente con vele ¿al terzö (così chiamate perché l¿antenna superiore che sostiene la vela è fissata all¿albero a un terzo circa della sua lunghezza). Le imbarcazioni sono tutte di proprietà privata e fanno parte dell¿Associazione Vela al Terzo. Il volume, progettato dalla grafica Beatriz Cifuentes dello studio newyorkese Waterhouse Cifuentes, raccoglie il saggio di Chiara Spangaro dedicato all¿attività dell¿artista e quello del giornalista veneziano Silvio Testa, che svela i segreti e la storia della tradizione della vela al terzo. Inoltre la voce narrante dell¿artista e le testimonianze degli armatori delle barche partecipanti raccontano la genesi, le emozioni e il dietro le quinte di questa incredibile opera corale.

JR, artista contemporaneo tra i più celebri al mondo, è chiamato a reinterpretare la facciata di un simbolo del Rinascimento a Firenze, Palazzo Strozzi, con una nuova opera site specific intitolata The Wound/La Ferita, che propone una riflessione sull'accessibilità ai luoghi della cultura nell'epoca del Covid-19. La monumentale installazione di JR rappresenta uno squarcio sulla facciata di Palazzo Strozzi, che si apre alla visione di un interno reale e immaginato allo stesso tempo, una diretta e suggestiva riflessione sull'accessibilità a tutti i luoghi della cultura durante la pandemia. Palazzo Strozzi diviene così il palcoscenico spettacolare per una ferita, simbolica e dolorosa, che accumuna tutte le istituzioni culturali italiane e del mondo intero: musei, biblioteche, cinema e teatri, costretti a limitare o a proibire l'accesso al pubblico. Il volume raccoglie un dialogo inedito tra l'artista e il curatore Arturo Galansino che racconta la genesi di quest'opera così originale e significativa, e la inquadra all'interno del modus artistico di JR, che unisce fotografia e street art creando monumentali interventi di arte pubblica nelle città di tutto il mondo, dalle favelas di Rio de Janeiro alla grande piazza della Piramide del Louvre, da Ellis Island a New York alla prigione di massima sicurezza di Tehachapi in California. A Palazzo Strozzi l'intervento di JR si caratterizza per un'ulteriore sperimentale contaminazione con la storia dell'arte, con riferimenti che spaziano dal Rinascimento all'epoca moderna.

Anna Coliva e Mario Codognato, curatori della mostra e autori, tra gli altri, dei saggi in catalogo, esponendo Damien Hirst nella Galleria Borghese, hanno compiuto un¿operazione culturale straordinaria. L¿artista inglese, assoluta e controversa celebrità del mondo artistico contemporaneo, non ha realizzato un progetto site-specific per il museo, eppure le sculture prodotte nel corso degli anni e la nuova serie dei dipinti Color Space sembrano assolutamente e indubitabilmente concepiti per legarsi alle opere, ai colori, alla materia antica e moderna che la Galleria Borghese conserva, e di cui è integralmente tessuta.

«Come le vecchie botteghe rinascimentali e barocche, Casa Balla divenne anche quel luogo nevralgico ¿ senza il quale non esisterebbero musei e gallerie e libri ¿ nel quale i segreti del mestiere si tramandano e l'esperienza diventa parte del futuro. L'appartamento di via Oslavia non è più né un documento né un monumento, ma l'immagine evidente e tridimensionale della mente che l'ha abitata e nello stesso tempo immaginata. [...] La sua durata non ha nulla di museale. È una rovina viva, ovvero una di quelle rarissime rovine che sembrano arrivare a noi dal futuro: come se avesse sbagliato strada e fatto il giro più lungo». (Emanuele Trevi). Questo volume racconta l'allestimento a cura del MAXXI della casa di Giacomo Balla a Roma e gli interventi al museo di otto autori contemporanei in dialogo con l'eredità del Maestro futurista.

"Breath ghosts blind" accompagna l'omonima personale di Maurizio Cattelan a Pirelli HangarBicocca, un ambizioso progetto sviluppato dall'artista e prima mostra in Italia dopo molti anni. Nel mettere in scena una complessa rappresentazione simbolica del ciclo della vita e affrontando temi come la memoria e il senso di perdita individuale e collettiva, il progetto include opere e immagini iconiche del percorso di Cattelan, insieme a un nuovo corpo di lavori realizzati appositamente. «Nel caso di Pirelli HangarBicocca, l'architettura industriale mi ha ricordato - scrive Maurizio Cattelan - un'enorme cattedrale abitata dai fantasmi del suo passato di fabbrica. Lì l'intruso ero io e a quel punto potevo solo usare a mio vantaggio il senso di minaccia che provavo: sono partito dalla fine con Blind e il resto delle opere si è mimetizzato nello spazio, come se i lavori fossero sempre stati lì». La monografia approfondisce e offre una lettura inedita del lavoro dell'artista, presentato attraverso contributi critici di autori e voci di rilievo internazionale che da anni seguono il lavoro di Cattelan, come Francesco Bonami e Nancy Spector, insieme a ulteriori approfondimenti tematici di filosofi, teologi e scrittori quali Arnon Grunberg, Andrea Pinotti e monsignor Timothy Verdon. Completano il volume le immagini che documentano il progetto di mostra e una conversazione dell'artista con i curatori, oltre a una selezione di testi ripubblicati e tradotti per l'occasione della filosofa e scrittrice Susan Sontag (1933-2004), dell'intellettuale e traduttrice Giustina Renier Michiel (1755-1832) e del poeta e scrittore curdo-siriano Golan Haji.

"American Art 1961-2001" indaga in modo inedito la storia dell'arte moderna negli Stati Uniti tra due momenti decisivi della storia americana, la guerra del Vietnam e l'attacco terroristico alle Torri Gemelle, attraverso una straordinaria selezione di opere di celebri artisti come Jasper Johns, Donald Judd, Barbara Kruger, Robert Mapplethorpe, Bruce Nauman, Cindy Sherman, Robert Rauschenberg, Kara Walker e Andy Warhol. Il volume mette a confronto la ricchezza e la diversità di temi e correnti dell'arte americana in quarant'anni di storia, dall'astrazione modernista alle contaminazioni con la produzione di massa, dalle ricerche concettuali e performative alle rivendicazioni per i diritti civili, attraverso una straordinaria selezione di oltre ottanta opere tra pittura, fotografia, video, scultura e installazioni della collezione del Walker Art Center di Minneapolis, uno dei più importanti musei di arte contemporanea del mondo. Investigando la nozione stessa di opera d'arte viene analizzato il suo rapporto con le trasformazioni della società contemporanea. Le diverse generazioni di artisti americani sperimentano linguaggi che aprono infatti alla ridefinizione dei confini dell'arte, unendo tecniche e media diversi, e usano il potere dell'arte anche come strumento per affrontare temi quali il consumismo e la produzione di massa, il femminismo e l'identità di genere, le questioni razziali e la lotta per i diritti civili.