Bøker utgitt av Taschen GmbH

Sebastião Salgados Fotobuch-Klassiker Arbeiter. Zur Archäologie des Industriezeitalters (Erstausgabe 1993) würdigt die traditionellen handwerklichen Arbeitsweisen, während zu Beginn des neuen Jahrtausends überall in der Welt Maschinen und Computer die Arbeit der Menschen übernehmen. Mit Bildern von beeindruckender Schönheit hat Salgado eine visuelle Elegie komponiert, mit der er jene Männer und Frauen ehrt, die sich ihren unbeugsamen Geist und ihre Würde selbst unter härtesten Arbeitsbedingungen bewahren. Mehr als bei jedem anderen lebenden Fotografen sind bei Sebastião Salgado die Bilder von den Vergessenen, den Elenden und den Ausgegrenzten der Welt eine Hommage an die conditio humana. Salgado definiert seine Arbeit als "kämpferische Fotografie", die dem "besseren Verständnis des Menschseins" gewidmet ist. Über Jahrzehnte hinweg hat er in seinen Fotografien den Armen und Entrechteten etwas von der Menschenwürde zurückgegeben, die sie zu verlieren drohten - von den Hungernden in der Sahelzone bis zu den indigenen Völkern Südamerikas. Mit dem Band Arbeiter legt Salgado ein globales Bildepos vor, das über das bloße Abbilden hinausgeht und zu einer Hymne auf den Widerstandsgeist arbeitender Männer und Frauen wird. 350 Duoton-Fotografien eröffnen eine archäologische Perspektive auf diejenigen Tätigkeiten, die von der Steinzeit über die industrielle Revolution bis in unsere Gegenwart als Inbegriff harter Arbeit gelten. Mit Bildern aus dem Inferno einer indonesischen Schwefelmine, von der Dramatik des traditionellen sizilianischen Thunfischfangs und der schwindelerregenden Ausdauer brasilianischer Goldgräber legt Salgado Schichten visueller Informationen frei, um die unermüdliche menschliche Arbeit als Kern der modernen Zivilisation zu enthüllen. Arbeiter präsentiert sein Thema auf mehreren sich gegenseitig durchdringenden Ebenen: Salgados einleitender Text, entstanden in Zusammenarbeit mit dem brasilianischen Schriftsteller Eric Nepomuceno, erläutert seine leidenschaftliche fotografische Ikonografie. Ausführliche Bildunterschriften, die ebenfalls von Salgado stammen, liefern den historischen und faktischen Hintergrund. Das Buch ist eine von Offenheit und Respekt getragene Hommage an diejenigen Menschen, die mit ihren eigenen Händen, mit der Kraft ihres eigenen Körpers arbeiten.

Im äußersten Osten Frankreichs, unweit der Grenze zu Deutschland und der Schweiz, liegt die historische Stadt Mulhouse. Im frühen 19. Jahrhundert wurde sie zu einem führenden Zentrum der Textilherstellung im Land. Heute ist hier das Musée de l'Impression sur Étoffes zu Hause - ein Museum, das sich voll und ganz der Geschichte des Textildrucks vom 17. Jahrhundert bis heute verschrieben hat. Nur wenige namhafte Modeschöpferinnen und Modeschöpfer haben diesen Tempel für Textilien nicht besucht. Mit den zwei Bänden halten Sie den Schlüssel zu seinen Gewölben in den Händen. Virtuos eingefangene Aufnahmen der textilen Sammlungen von vier Kontinenten erzählen auf großformatigen Seiten die Geschichte eines faszinierenden künstlerischen und technischen Abenteuers von den Anfängen in Indien bis zu den allerneuesten Kreationen. In zwei Bänden erwecken neun umfangreich bebilderte Kapitel die chronologisch und thematisch beispiellose Rückschau des Museums auf die Kunst des Textildrucks zu strahlendem Leben. Und diese Reise beginnt in Indien. Band eins geht den fernöstlichen Ursprüngen der Entwürfe nach, die den Textildruck berühmt gemacht haben, und folgt ihrem Weg in die Fabriken Europas. Hinzu kommen Geschichten und Bilder von der Entwicklung neuer Farbpaletten und künstlerischen Neuerungen wie der Toile de Jouy. Der zweite Band blickt zurück auf den unglaublichen Einfallsreichtum der Hersteller und ihrer Designer im 19. und 20. Jahrhundert. Entdecken Sie Kaschmirmotive, die ins Auge springen, und die intensive Leidenschaft für Natur und Blumen unter Napoleon III. in Frankreich, bevor künstlerische Avantgarden und die Moderne die kreative Gestaltung des Textildrucks grundlegend veränderten. Mit fast 900 Schaustücken, die in originalgetreu wiedergegeben sind, reisen Sie durch die außergewöhnliche Vielfalt der Motive und Farben, die dieses Buch für Textilfans jeglicher Couleur zu einer einzigartigen Quelle der Inspiration machen.

Sebastião Salgados Fotobuch-Klassiker Arbeiter. Zur Archäologie des Industriezeitalters (Erstausgabe 1993) würdigt die traditionellen handwerklichen Arbeitsweisen, während zu Beginn des neuen Jahrtausends überall in der Welt Maschinen und Computer die Arbeit der Menschen übernehmen. Mit Bildern von beeindruckender Schönheit hat Salgado eine visuelle Elegie komponiert, mit der er jene Männer und Frauen ehrt, die sich ihren unbeugsamen Geist und ihre Würde selbst unter härtesten Arbeitsbedingungen bewahren. Mehr als bei jedem anderen lebenden Fotografen sind bei Sebastião Salgado die Bilder von den Vergessenen, den Elenden und den Ausgegrenzten der Welt eine Hommage an die conditio humana. Salgado definiert seine Arbeit als "kämpferische Fotografie", die dem "besseren Verständnis des Menschseins" gewidmet ist. Über Jahrzehnte hinweg hat er in seinen Fotografien den Armen und Entrechteten etwas von der Menschenwürde zurückgegeben, die sie zu verlieren drohten - von den Hungernden in der Sahelzone bis zu den indigenen Völkern Südamerikas. Mit dem Band Arbeiter legt Salgado ein globales Bildepos vor, das über das bloße Abbilden hinausgeht und zu einer Hymne auf den Widerstandsgeist arbeitender Männer und Frauen wird. 350 Duoton-Fotografien eröffnen eine archäologische Perspektive auf diejenigen Tätigkeiten, die von der Steinzeit über die industrielle Revolution bis in unsere Gegenwart als Inbegriff harter Arbeit gelten. Mit Bildern aus dem Inferno einer indonesischen Schwefelmine, von der Dramatik des traditionellen sizilianischen Thunfischfangs und der schwindelerregenden Ausdauer brasilianischer Goldgräber legt Salgado Schichten visueller Informationen frei, um die unermüdliche menschliche Arbeit als Kern der modernen Zivilisation zu enthüllen. Arbeiter präsentiert sein Thema auf mehreren sich gegenseitig durchdringenden Ebenen: Salgados einleitender Text, entstanden in Zusammenarbeit mit dem brasilianischen Schriftsteller Eric Nepomuceno, erläutert seine leidenschaftliche fotografische Ikonografie. Ausführliche Bildunterschriften, die ebenfalls von Salgado stammen, liefern den historischen und faktischen Hintergrund. Das Buch ist eine von Offenheit und Respekt getragene Hommage an diejenigen Menschen, die mit ihren eigenen Händen, mit der Kraft ihres eigenen Körpers arbeiten.

Magisch, mystisch, meditativ - Worte werden den schönsten Innenräumen Asiens kaum gerecht. Ein vergoldetes Kloster in Tibet, eine Plantage in Sri Lanka, eine private Villa in Thailand, jeder der vorgestellten Rückzugsorte ist nicht nur in ästhetischer, sondern auch in spiritueller Hinsicht bemerkenswert. So faszinierend facettenreich sich das moderne Asien mit seinem breiten Spektrum höchst heterogener Kulturen dem westlichen Besucher präsentiert, so vielfältig zeigen sich auch die Interiors in diesem Band. Zu den Stationen dieser Entdeckungstour zählen u. a. traditionelle Pfahlhäuser in Myanmar, der atemberaubende Shiv-Niwas-Palast in Indien, den James Bond in Octopussy besuchte, kambodschanische Tempel, das berühmte Cheong Fatt Tze Mansion, ein indigoblaues Herrenhaus aus dem 19. Jahrhundert in George Town, bekannt aus dem Film Indochine mit Catherine Deneuve, und ein tropischer Garten nach Entwürfen des sri-lankischen Architekten Geoffrey Bawa, Mitbegründer des Tropical Modernism und ein Pionier des naturnahen Bauens.

Traummaschinen für einen Ritt durch Raum und Zeit: Von der deutschen Hildebrand & Wolfmüller aus dem Jahr 1894 bis zur britischen Aston Martin AMB 001 von 2020 würdigt dieser Band 50 der aufsehenerregendsten Krafträder, die je eine Rennstrecke umrundet oder Landstraße erobert haben. Das prachtvolle Meisterwerk umfasst dabei bahnbrechende Rekordjäger ebenso wie luxuriöse Tourer, bejubelt legendäre Grand-Prix-Sieger, technische Meilensteine und extravagante Einzelanfertigungen, die Form und Funktion auf höchstem Niveau vereinen. Viele Exemplare stammen aus exklusiven Privatsammlungen und sind äußerst selten zu sehen. Andere stehen sonst in renommierten Motorradmuseen als unbestrittene Stars - wie die 1938er Brough Superior "Golden Dream" oder die MV Agusta 500 4C von 1956, die der Weltmeister John Surtees steuerte. Neben einigen Exponaten der Frühzeit, die in einem erstaunlich originalen Zustand überlebten, findet sich hier ein ganzer Stall voll spektakulärer Rennmaschinen, mit denen Piloten wie Tarquinio Provini, Mike Hailwood, Giacomo Agostini oder Barry Sheene antraten. Die faszinierenden Geschichten hinter diesen fabelhaften Fahrzeugen werden en détail erzählt, illustriert mit großartigen Bildern, die eigens für dieses Buch von führenden Motorradfotografen aufgenommen wurden. Ebenfalls enthalten sind seltene archivarische Fundstücke, seien es historische Plakate oder packende Action-Aufnahmen. Ein Buch voller Motorradschätze und ein absolutes Must-have für alle Motorrad-Enthusiasten!

Seit sie in den späten 70er-Jahren zur Fotografie fand, hat Bettina Rheims gängige Erwartungshaltungen torpediert. Von ihrer Serie über die Stripperinnen vom Pigalle (1980) bis zum Zyklus über das Leben Jesu in I.N.R.I. (1998), von ihrer Chanel-Werbung bis hin zu Gender Studies (2011): In ihrer Arbeit hat sie die traditionelle Ikonografie gehörig durchgerüttelt und unermüdlich die Bruchstelle zwischen zwei Gebieten ausgelotet, die die Menschen seit jeher faszinieren - die Schönheit und die Unvollkommenheit. Für diesen Band hat Rheims über 300 ihrer Lieblingsaufnahmen aus den letzten 35 Jahren zusammengestellt - couragierte und provokante Fotografie aus berühmten Fotoreihen wie Chambre close, Héroïnes und Rose, c'est Paris (in Zusammenarbeit mit Serge Bramly). Die Modefotografien wie auch die künstlerischen Aufnahmen in diesem Buch zeigen Bettina Rheims' besonderen Blick für die Fragilität und die Stärke der Frauen. Die magische Begegnung zwischen der Künstlerin und ihren Modellen bricht mit den traditionellen Codes der Erotik und führt zu einer ganz neuen Bildsprache der Weiblichkeit.

Natürlich wohnt Donald Duck eigentlich in Entenhausen, Winnie Puuh im Hundertsechzig-Morgen-Wald, Schneewittchen in Deutschland und die Wunderland-Reisende Alice irgendwo im viktorianischen England, ihren Zweitwohnsitz haben sie jedoch alle am selben Ort, im kalifornischen Anaheim. Anfang der 1950er-Jahre realisierte Walt Disney hier seinen lang gehegten Traum, einen Vergnügungspark zu errichten, in dem die Besucher all seinen Trickfilmfiguren begegnen und eine Reise durch die amerikanische Geschichte machen können, vom Wilden Westen bis zur Zukunft im Weltraum. Unter Walt Disneys Leitung verwandelten Architekten, Künstler, Ingenieure und eine Legion von Bauarbeitern ein paar Hektar Orangenhain in ein Reich ewiger Adoleszenz, in ein Ausflugs- und Ferienziel, das jedes Kind in den USA unbedingt einmal besuchen möchte. In den frühen Fünfzigerjahren war es dann so weit. Heutzutage gibt es Disney-Freizeitanlagen von Paris bis Schanghai, doch das Original-Disneyland in Anaheim (Kalifornien) ist nach wie vor eine der beliebtesten Attraktionen der USA und lockt Jahr für Jahr über 16 Millionen Besucher aus aller Welt an. Dieser Bildband stützt sich auf Disneys umfangreiche Archive, Privatsammlungen und Pressearchive und zeigt die Geschichte Disneylands, von den ersten Entwürfen bis heute. Originaldokumente und Hintergrundinformationen machen diese handliche Ausgabe zu einer Fundgrube für alle Disney-Fans, Märchengläubige, ewige Kinder und Pop-Historiker. Copyright © 2024 Disney Enterprises, Inc.

Schon die frühesten Formen menschlicher Kreativität - Schnitzereien, Markierungen und Höhlenmalereien - zeugen von der Auseinandersetzung der Menschen mit Farbe. Fast genauso alt wie die genannten Beispiele ist der Wunsch, das universelle Phänomen fassbar zu machen und ihm Struktur, Ordnung und Sinnhaftigkeit zu verleihen. Diese Faszination liegt allen Werken zugrunde, die in diesem Buch versammelt sind. The Book of Colour Concepts bringt mehr als 65 seltene Bücher und Manuskripte aus einer Vielzahl von Institutionen zusammen, darunter die bedeutendsten Farbensammlungen der Welt, und entführt seine Leserschaft auf eine chromatische Reise durch vier Jahrhunderte. Über 1.000 Abbildungen zeigen prachtvolle Kreise und Kugeln, vielfarbige Tabellen und ausgefeilte Diagramme, viele davon exklusiv für diese Edition neu fotografiert. Einige der Konzepte enthalten umfassende Farbtaxonomien, andere beleuchten das Verhältnis von Farbe und Musik oder die Verbindungen zwischen Farbe und menschlichen Gefühlen. Grundlegende Werke zur Farbtheorie, darunter Isaac Newtons Opticks und Johann Wolfgang von Goethes herausragende Abhandlung Zur Farbenlehre, stehen neben seltenen und ungewöhnlichen Beiträgen wie den theosophischen Farbsystemen von Charles Webster Leadbeater und Annie Besant, dem umfassenden "Wörterbuch" der Farbe von Aloys John Maerz und Morris Rea Paul oder den patchworkartigen Kombinationen des japanischen Kostümbildners und Künstlers Sanzo Wada. Die zweibändige Edition rückt zudem viele faszinierende und oft übersehene Werke von Frauen ins Rampenlicht, darunter die radikal originellen "Farbflecken" der englischen Blumenmalerin Mary Gartside und ein botanisches Notizbuch der wegweisenden Spiritistin Hilma af Klint. Einführende Essays von Herausgeberin Alexandra Loske und Co-Autorin Sarah Lowengard bringen die vorgestellten Farbsysteme in einen größeren Zusammenhang, während sachkundige Texte der Herausgeberin zu den abgebildeten Werken auf jede Theorie genauer eingehen. Indem es die Geschichte der Farbe in all ihren Formen und Ausprägungen beleuchtet, bietet The Book of Colour Concepts eine chromatische Chronologie von beispiellosem Umfang.

In seinem vielbeachteten Bildband Afghanistan berichtete Steve McCurry vom Drama eines kriegsgebeutelten und zugleich faszinierenden Landes. Animals zeigt eine andere Seite des berühmten Fotografen, der sich hier den komplexen Beziehungen zwischen Mensch und Tier widmet, sei es als Gefährten, Mitarbeiter, Transportmittel, Trophäen oder einfach nur zufällige Begegnung. Der Mensch liebt sein Tier, aber was empfindet der räudige Straßenhund, der eingerollt neben seinem Herrchen schläft, das Kamel, das während des ersten Golfkrieges ins Schussfeld gerät, oder die vom Hirten zärtlich gefütterten Ziegen? McCurrys fotografischer Blick sensibilisiert uns nicht nur für die Schönheit der Tiere, sondern auch für deren Empfindungen, ihre soziale Rolle und Würde. So ist die Zuneigung zwischen Tier und Mensch oft unmittelbar zu spüren und unterstreicht den universellen Wert von Kameradschaft. Wir erleben Designer-Hunde aus Beverly Hills, Rennpferde auf einem Dach in Hongkong, Elefanten in Thailand und Hunderte weiterer Aufnahmen aus McCurrys umfangreichen Archiven. Diese kaleidoskopische Sammlung führt nicht nur durch ferne Länder und entlegene Gegenden, die von Afrika und Asien über die Galapagosinseln und die USA bis nach Europa reichen, sondern lenkt unseren mitfühlenden Blick einmal mehr auf die treuen Wesen an unserer Seite.

Während seiner gesamten Karriere stand Peter Lindbergh dem Haus Dior auf ganz besondere Weise nahe. Er fotografierte die schillernden Musen des Hauses, darunter Marion Cotillard und Charlize Theron, und realisierte mit seinem unverwechselbaren Stil Kampagnen für die Parfums Lady Dior und J'Adore. Dieses letzte Buch des Fotografen ist das Originaldokument einer außergewöhnlichen Ko-Kreation - und eine Herzensangelegenheit des Künstlers. Siebzig Jahre Dior-Geschichte und das Brodeln des Times Square in New York: Das war das Konzept hinter Lindberghs in Umfang und Dimension außergewöhnlichem Projekt, für das Dior in einer ebenso ungewöhnlichen Aktion eine beispiellose Anzahl von kostbaren Couture-Kreationen aus den Tresoren in Paris über den Atlantik schiffte. Das Ergebnis ist elektrisierend. Inmitten des Trubels am Times Square glänzt Alek Wek im makellosen Bar-Kostüm von 1947, jenem berühmten Ensemble, das den frühen Stil des Hauses definierte. Klassische "Lindbergh-Schönheiten" wie Saskia de Brauw, Karen Elson und Amber Valletta bewegen sich durch Menschenmassen und unter Gerüsten hindurch, spiegeln sich in Gebäudefassaden - gekleidet in Haute Couture, die Christian Dior noch von Hand fertigte, bis hin zu neueren Entwürfen von Maria Grazia Chiuri. Ein Spiel der Kontraste, das den Ambitionen dieser Stilübung jederzeit gerecht wird: Peter Lindberghs typisch monochrome, aber auch farbige Fotos heben auf meisterhafte Weise die Silhouetten, Feinheiten und Texturen jedes Kleidungsstücks hervor. Lindbergh selbst ist in dieser Publikation in jeder Hinsicht präsent. Dieser Band enthält 165 bislang unveröffentlichte Bilder, dazu eine Einführung von Martin Harrison, und würdigt Lindberghs langjährige Verbundenheit mit dem Pariser Modehaus Dior. Dafür stellte er mehr als 100 Fotografien zusammen, von Haute Couture bis zu Herren- und Damenkonfektionen, die ursprünglich in renommierten Zeitschriften wie Vogue oder Harper's Bazaar veröffentlicht wurden. Für die Gestaltung war Lindberghs langjähriger Artdirector und enger Freund Juan Gatti verantwortlich. Eine atemberaubende Hommage an das zeitlose Zusammenwirken von Haute Couture und Fotografie.

Die Pflanzenbilder des deutschen Fotopioniers Karl Blossfeldt (1865-1932) sind von einer solchen Schönheit und Originalität, dass sie das Medium der Fotografie transzendieren. Über 30 Jahre lang nahm Blossfeldt Tausende von Fotos auf, in einer rigorosen Formensprache, die die Bildproduktion des 19. Jahrhunderts ins 20. Jahrhundert überführte und der eigentlich zweidimensionalen Kunstform eine geradezu skulpturale Qualität verlieh. Die ebenso raffiniert wie minimalistisch vor einfachen Papphintergründen inszenierten Bilder erhalten ihre Plastizität durch Blossfeldts virtuose Lichtregie. Sie geben alles von sich, nichts jedoch von dem Mann hinter der Kamera preis. Diese Stillleben, die ihre Objekte so endgültig in Form bannen, sind ein Meilenstein der Fotografiegeschichte und üben aufgrund ihrer Ästhetik noch immer eine anhaltende Faszination auf alle Kenner des Mediums aus.

Von allen Baustoffen der Welt ist Backstein einer der meistverbreiteten und langlebigsten. Seine Geschichte lässt sich bis ins Jahr 7500 v. Chr. zurückverfolgen. Gebrannte Ziegelsteine tauchten erstmals 3500 v. Chr. auf. Seither hat sich der zuverlässige Backstein als erstaunlich widerstandsfähig erwiesen und ist bis heute ein Hauptbaumaterial zeitgenössischer Architektur geblieben. Fest verwurzelt in den Traditionen so unterschiedlicher Länder wie China und der Niederlande, ist er preiswert, vielseitig und zudem umweltfreundlich herstellbar. In einer weltweiten Tour de Force zeigt diese Ausgabe die aufregendsten und innovativsten Backsteinbauten der letzten Jahre, von Argentinien bis Neuseeland. Wie alle Architekturbücher von TASCHEN präsentiert sie sowohl neue Talente als auch etablierte Stararchitekten wie Renzo Piano und Peter Zumthor. Die gezeigten Gebäude demonstrieren die vielseitigen Möglichkeiten der Backsteinarchitektur in Kultur-, Wohn-, Freizeit- oder Infrastrukturgebäuden, unter anderem im Tate Modern Switch House in London von Herzog & De Meuron, im Amsterdamer Holocaust Namenmonument von Studio Libeskind und im Maternity Waiting Village der Mass Design Group in Kasungu (Malawi).

Anfang 1964 erhielt der Fotograf Harry Benson einen Anruf vom Bildredakteur des Londoner Daily Express, der Benson bat, eine Paris-Reise der Beatles zu dokumentieren. Dieser Auftrag war der Anfang der engen Beziehung zur Band, die Bensons Karriere begründete und aus der einige der intimsten Bilder entstanden, die je von den Beatles gemacht wurden.In Paris schoss Benson das berühmte Foto von den Fab Four bei einer Kissenschlacht im Hotel George V, ein Bild, das Benson selbst einmal als bestes seiner Karriere bezeichnete. Später im selben Jahr begleitete er mit der Kamera die erste US-Tour der Band, inklusive ihrem Auftritt in der Ed Sullivan Show, ihrer überraschenden Begegnung mit Cassius Clay und der Hysterie der New Yorker Beatlemania. Außerdem hielt er George Harrisons Flitterwochen auf Barbados für die Nachwelt fest. Er dokumentierte die Beatles bei den Dreharbeiten zu ihrem Debütfilm A Hard Day's Night und war bei der inzwischen berüchtigten Tournee von 1966 zugegen, auf der John Lennon behauptete, die Beatles seien "populärer als Jesus".In diesem Buch sind die besten von Bensons atmosphärisch dichten Schwarzweißbilder versammelt. Dazu gibt es Zitate und Zeitungsausschnitte aus der damaligen Zeit und eine Einleitung von Benson selbst, in der er seine persönliche Sicht auf die Aufnahmen darlegt, die Zeitgeschichte schrieben.

Eine Auswahl der besten Geschichten von Long John Silver, Henry Morgan und vielen anderen Piraten und Korsaren aus der großen Zeit der Seeräuberei, erzählt nach Klassikern des Genres wie Robinson Crusoe oder der Schatzinsel, dazu fesselnde Illustrationen großer amerikanischer Grafikkünstler wie Howard Pyle und N. C. Wyeth.

Eine Auswahl der besten Geschichten von Long John Silver, Henry Morgan und vielen anderen Piraten und Korsaren aus der großen Zeit der Seeräuberei, erzählt nach Klassikern des Genres wie Robinson Crusoe oder der Schatzinsel, dazu fesselnde Illustrationen großer amerikanischer Grafikkünstler wie Howard Pyle und N. C. Wyeth.

Eigentlich suchte der Australier Simon "Woody" Wood 2002 nur eine Möglichkeit, kostenlos an Turnschuhe zu kommen. Zwei Wochen später war er der stolze Verleger von Sneaker Freaker - und musste nie mehr barfuß gehen. Von seinen frühesten Ursprüngen als Fanzine im Punkstil bis zur heutigen Hochglanzaufmachung mit Onlineausgabe hat diese entschlossen unabhängige Zeitschrift jeden Collab-, Quickstrike-, Hyperstrike- und Tier-Zero-Sneaker, jede limitierte Ausgabe, Neuauflage und hippe Innovation der letzten 20 Jahre dokumentiert, vom klassischen adidas-Treter bis zum ultraluxuriösen Edelsneaker . Magische Produktbeschreibungen wie "Das Suede an Zunge und Ferse ist so dunkel und geheimnisvoll wie der Blick in einen bodenlosen Abgrund. Das Mintnubuk ist reines Dynamit, das graue Leder der Funke und die robuste Mesh-Toebox das Ausrufezeichen. Peng!" lassen erahnen, wie die Synapsen im Sneakerversum so geschnürt sind. Woodys ursprüngliche Vorgabe, dass Sneaker Freaker "zugleich lustig und ernst, sinnvoll und zweckfrei" sein solle, erfüllt The Ultimate Sneaker Book auf vorbildliche Weise : Auf über 500 mit Insiderwissen gespickten Seiten , die keine wahnwitzigen historischen Details auslassen und zahllose Fandevotionalien schnittig ins Bild setzen, werden hier Geschichte, Gegenwart und Zukunft von Footwear aus aller Welt dokumentiert, in Sneaker-Lingo kommentiert und mitgestaltet . Neben einem souveränen Marsch durch die Turnschuhgeschichte werden der Nike Air Max und Air Force, Adi Dassler, Converse, Dapper Dan, Dee Brown, und Michael Jordan - neben obskuren Schätzchen wie Troop, Airwalk und Vision Street Wear - ausführlich verhandelt. Dieser Band ist das definitive Nachschlagewerk für Sneakerheads, visuelles Manna und ein orgiastisch sprudelnder Quell des Treterwissens, kurz ... das Ultimate Sneaker Book !

Im November 2020 wurden Depeche Mode in die "Rock & Roll Hall of Fame" aufgenommen. Bei der Annahme der Ehrung sagte David Gahan: "Ich möchte mich bei Anton Corbijn bedanken, der Gott sei Dank zur richtigen Zeit zu uns stieß und uns tatsächlich cool aussehen ließ." Ebenfalls im Herbst 2020 brachte TASCHEN den limitierten und von Depeche Mode und Anton Corbijn signierten Band Depeche Mode by Anton Corbijn (81-18) heraus, der sich zu einer der am schnellsten verkauften Collector's Editions in der Geschichte des Verlags entwickelte. Diese günstige und aktualisierte Ausgabe im handlichen Hosen-TASCHEN-Format gibt Zeugnis von Corbijns einzigartiger Vision und ist in der Tat so "cool", wie Gahan in seiner Rede würdigte. In der reich illustrierten Geschichte erfährt man, wie Corbijn, der 1986 de facto Kreativdirektor der Band wurde, dazu beitrug, Depeche Modes Ruf als größter Kultband der Welt zu untermauern. Der Band enthält über 150 Fotos aus Corbijns umfangreichem Archiv, darunter sowohl offizielle als auch privatere Bandporträts, aufgenommen in Madrid, Hamburg, der Wüste Kaliforniens, Prag oder Marrakesch; dazu eine Vielzahl von spontanen, ungestellten Bildern und atemberaubende Live-Aufnahmen von sämtlichen Tourneen von 1988 bis 2023 . Entstanden in enger Zusammenarbeit mit der Band gewährt Depeche Mode by Anton Corbijn eine Vielzahl von Einblicken in die Arbeit mit Corbijn und zeigt auf eindrucksvolle Weise, wie die einzigartige Ästhetik eines Mannes, von dem sämtliche Fotografien, die meisten Musikvideos, Albumcover und Setdesigns stammen, die anhaltende Popularität der Band prägten. In der Einleitung erinnert sich Corbijn an seine vielschichtige Rolle bei Depeche Mode: "Vieles hing von mir ab. Ich wollte einfach der Richtige für sie sein, für sie mitdenken und aus mir das Allerbeste herausholen." Der Band zeugt von der Tiefe und Breite dieser Großartigkeit und feiert eine der kreativsten und beständigsten Kooperationen der Musikgeschichte.

Der weitgereiste Ralph Gibson arbeitet vor allem in inspirierten Serien, in Schwarzweiß oder Farbe, deren Titel die besondere poetische Sensibilität unterstreichen, die sein Werk prägt: "The Somnambulist", "Déjà-Vu", "Days at Sea", "Chiaroscuro" und "Ich bin die Nacht". Er begann 1960 als Assistent bei Dorothea Lange und ging 1967 nach New York, wo er bald in einem Atemzug mit Larry Clark und Diane Arbus genannt wurde. Auch wenn seine Fotografien für sich selbst sprechen könnten: Für Gibson steckt hinter jedem Bild, jeder Serie eine Philosophie. In den beigefügten kurzen Texten stellt er uns seine Thesen vor. Akte, Porträts, Stillleben, Erzählungen: Seiner Leica treubleibend, bewegt sich Gibson zwischen den Genres und schafft neue Kategorien des Sehens. Er nähert sich den Dingen und lichtet sie auf eine fast meditative Weise ab, wie es nur die Stille des Bildes vermag.

Born in 19th-century France, Impressionism remains at the forefront of the world's cultural institutions. This go-to book not only touches on the movement's sites of production and technical innovations, but also its revolutionary artists, from Claude Monet and Pierre-Auguste Renoir to Berthe Morisot and Eva Gonzalès.

Der Silver Surfer entwickelte sich schnell zu einem der stärksten Charaktere im Marvel-Universum, nachdem Stan Lee und Jack Kirby ihn erstmals in der Geschichte der Fantastic Four auftreten ließen. Dem Weltenzerstörer Galactus verpflichtet und dazu verdammt, das Universum für die nächste planetengroße Mahlzeit des Halbgotts zu durchforschen, war der Surfer eine tragische Figur. Und doch sah er mit seinem Board unglaublich cool aus. Bei den Fans war er ein Riesenerfolg und schnell schon ein regulärer Nebendarsteller der Fantastic Four, der inzwischen an ihrer Seite kämpfte. Auch Stan Lees Kreativität entzündete sich an ihm, er konnte es kaum erwarten, ein paar eigenständige Surfer-Stories zu erzählen. Nur das Timing musste stimmen. Im Frühjahr 1968 gab Stan Lee dem Helden das erste fortlaufende Doppelheft. Er rekrutierte dafür John Buscema, der seinen grandiosen Zeichenstift bis dahin den Avengers lieh. Zusammen entwickelten sie eine Reihe von legendären Geschichten, mit denen sich die Figur auf immer definierte. Der galaktisch große XXL-Wälzer versammelt sämtliche Geschichten der 18-teiligen Reihe des Silver Surfers von 1968-1970. Für unsere mit dem Eisner-Award prämierten Serie wurden in enger Zusammenarbeit mit Marvel und der Certified Guaranty Company makellose Originalausgaben reproduziert. Jede Seite wurde fotografiert, wie sie vor mehr als einem halben Jahrhundert gedruckt wurde und mit modernen Retusche-Techniken digital überarbeitet. Eventuelle Ungenauigkeiten der damals vorherrschenden Drucktechnik wurden auf diese Weise korrigiert, so als kämen die Comics frisch aus einer erstklassigen Druckmaschine der 1960er-Jahre. Um die Haptik der ursprünglichen Hefte zu simulieren, wurde eigens für unsere Marvel-Serie ein ungestrichenes Papier entwickelt. Texte des Kritikers und Autors Douglas Wolk sowie von Sal Buscema, seinerzeit selbst Zeichner bei Marvel, ergänzen die Reproduktionen, Fotografien und seltenen Erinnerungsstücke. Auch als Collector's Edition von 1.000 Exemplaren erhältlich.© 2023 MARVEL

Der Silver Surfer entwickelte sich schnell zu einem der stärksten Charaktere im Marvel-Universum, nachdem Stan Lee und Jack Kirby ihn erstmals in der Geschichte der Fantastic Four auftreten ließen. Dem Weltenzerstörer Galactus verpflichtet und dazu verdammt, das Universum für die nächste planetengroße Mahlzeit des Halbgotts zu durchforschen, war der Surfer eine tragische Figur. Und doch sah er mit seinem Board unglaublich cool aus. Bei den Fans war er ein Riesenerfolg und schnell schon ein regulärer Nebendarsteller der Fantastic Four, der inzwischen an ihrer Seite kämpfte. Auch Stan Lees Kreativität entzündete sich an ihm, er konnte es kaum erwarten, ein paar eigenständige Surfer-Stories zu erzählen. Nur das Timing musste stimmen.Im Frühjahr 1968 gab Stan Lee dem Helden das erste fortlaufende Doppelheft. Er rekrutierte dafür John Buscema, der seinen grandiosen Zeichenstift bis dahin den Avengers lieh. Zusammen entwickelten sie eine Reihe von legendären Geschichten, mit denen sich die Figur auf immer definierte. Der galaktisch große XXL-Wälzer versammelt sämtliche Geschichten der 18-teiligen Reihe des Silver Surfers von 1968-1970. Für unsere mit dem Eisner-Award prämierten Serie wurden in enger Zusammenarbeit mit Marvel und der Certified Guaranty Company makellose Originalausgaben reproduziert. Jede Seite wurde fotografiert, wie sie vor mehr als einem halben Jahrhundert gedruckt wurde und mit modernen Retusche-Techniken digital überarbeitet. Eventuelle Ungenauigkeiten der damals vorherrschenden Drucktechnik wurden auf diese Weise korrigiert, so als kämen die Comics frisch aus einer erstklassigen Druckmaschine der 1960er-Jahre. Um die Haptik der ursprünglichen Hefte zu simulieren, wurde eigens für unsere Marvel-Serie ein ungestrichenes Papier entwickelt. Texte des Kritikers und Autors Douglas Wolk sowie von Sal Buscema, seinerzeit selbst Zeichner bei Marvel, ergänzen die Reproduktionen, Fotografien und seltenen Erinnerungsstücke.Auch als Collector's Edition von 1.000 Exemplaren erhältlich.© 2023 MARVEL

Die 1534 vollständig erschienene Lutherbibel veränderte die Weltgeschichte nachhaltig. Sie machte die Bibel in der Volkssprache erstmals für Laien zugänglich und markierte damit eine Zäsur in der Geschichte des Christentums mit der Herausbildung des "allgemeinen Priestertums der Gläubigen" und die Herausbildung des Protestantismus. In diesem mit großer Sorgfalt hergestellten zweibändigen Nachdruck präsentiert TASCHEN sowohl das Alte als auch das Neue Testament in Luthers bahnbrechender Übersetzung. Auf der Grundlage des kostbaren Originals der Herzogin Anna Amalia Bibliothek, das heute zum UNESCO-Weltdokumentenerbe zählt, offenbart der Band die vielschichtige Pracht dieser Bibel, mit ihrem akkuraten Schriftbild, ihren kunstvollen Initialen und den vorzüglichen farbigen Holzschnitten aus der Werkstatt Lucas Cranachs des Älteren . Stephan Füssel, Buchwissenschaftler der Johannes-Gutenberg-Universität zu Mainz, bereichert diese Publikation durch detaillierte Beschreibungen der Illustrationen sowie einer Einleitung, die Luthers Leben und die weltbewegende Bedeutung dieser Bibel herausarbeitet.

Die Göttliche Komödie von Dante Alighieri (1265-1321) gilt als größtes literarisches Werk der italienischen Sprache (vollendet 1321) und Meisterwerk der Weltliteratur. Das Opus beschreibt die Reise des Dichters durch Hölle und Fegefeuer in den Himmel, und auf einer tieferen Ebene den symbolischen Weg der Seele zu Gott.In seinen letzten Lebensjahren vollendete der Poet und Maler William Blake (1757-1827) 102 Illustrationen zu Dantes epischer Dichtung, die von Bleistiftskizzen bis hin zu fertigen Aquarellen reichen. Blake gelingt es, die visionäre Kraft von Dantes Sprache in Bilder zu übersetzen und in ihrer ganzen Spannbreite darzustellen: von den Qualen der Hölle bis zur Glückseligkeit des Paradieses, von grausamen Verstümmelungen der Verdammten bis hin zur göttlichen Schönheit der Erlösten. Wenngleich Blake dem Text Dantes treu blieb, brachte er seine eigene Betrachtungsweise zu zentralen Themen des Werkes ein.Heute befinden sich Blakes Zeichnungen in sieben verschiedenen Institutionen. Diese Ausgabe vereint sie wieder und stellt ihnen Schlüsselverse aus Dantes Werk zur Seite. Zwei Essays führen den Leser in das Werk von Dante und Blake ein. Wie groß der Einfluss der Göttlichen Komödie auf die Werke der bildenden Kunst war, zeigen Arbeiten von Sandro Botticelli, Michelangelo, Eugène Delacroix, Gustave Doré und Auguste Rodin.Alle Illustrationen werden ausführlich erläutert und dank zahlreicher faszinierender Ausschnittvergrößerungen kommt jedes noch so kleine Detail zur Geltung. Diese Begegnung von zwei der größten Künstler aller Zeiten ist überwältigend und wird in so universellen Themen wie Liebe, Schuld, Sühne, Rache und Erlösung anschaulich.

Anhand von Kunst, Literatur und wissenschaftlichen Untersuchungen erzählt die Therapeutin Kikan Massara die Geschichte der Zwölf Schritte - das weit verbreitete und anerkannte Programm zur ganzheitlichen Genesung. Das Zwölf-Schritte-Programm wurde Anfang des 20. Jahrhunderts zur Heilung von Alkoholismus entwickelt. Später erwies es sich als hochwirksames Instrument zur Unterstützung in der Genesung von jeglichen Süchten und zwanghaftem Verhalten.  Zum ersten Mal wird das Programm hier mit einem visuellen Narrativ vorgestellt. Die inspirierende Ausgabe enthält über 150 bewegende Kunstwerke von der Antike bis zur Gegenwart. Sie symbolisieren den Weg der Heilung und Transformation auf der Basis des Programms, das noch heute Millionen von Menschen hilft.    Das Buch enthält Auszüge aus Studien führender Experten in verschiedenen verwandten Gebieten. Die Geschichte der Zwölf Schritte wird en détail nachgezeichnet: von den Ursprüngen in der Weltwirtschaftskrise in Amerika zu Beginn des 20. Jahrhunderts bis hin zur Ausarbeitung der Grundlagen auf der Basis von Konzepten des Psychologen C.G. Jung. Darüber hinaus bietet der Band einen einzigartigen Einblick in die Bedeutung von Sucht in unserer heutigen Gesellschaft. Mit eindrucksvollen Bildern, literarischen Zitaten und Erkenntnissen aus der aktuellen psychologischen Forschung erweist sich das Zwölf-Schritte-Programm auch einem breiteren Publikum als zeitgemäß, zugänglich und konstruktiv. In einer Zeit radikalen Wandels und großer Chancen würdigt unsere illustrierte Ausgabe die transformative Kraft dieser universellen Prinzipien und zeigt Wege auf, sie in den eigenen Alltag zu integrieren.

"Les dîners de Gala ist einzig den Freuden des Gaumens gewidmet. ... Sollten Sie ein Jünger jener Kalorienwieger und -wäger sein, die die Freuden des Mahles in Strafen verwandeln, so schließen Sie dieses Buch sofort: Es ist viel zu lebendig, viel zu aggressiv und viel zu herausfordernd für Sie." - Salvador Dalí Essen und Surrealismus sind ideale Bettgesellen: Sex und Hummer, Collage und Kannibalismus, die Begegnung zwischen einem Schwan und einer Zahnbürste auf einem Tortenboden. Die opulenten Dinnerpartys, die Salvador Dalí (1904-1989) und seine Gattin und Muse Gala (1894-1982) gaben, waren legendär. Zum Glück für uns veröffentlichte Dalí 1973 das Kochbuch Les Diners de Gala, das verrückteste Kochbuch aller Zeiten, eine Synthese aus surrealistischem Witz und gehobenen und verschrobenen Gaumenfreuden. Diese gekürzte Neuauflage enthält 78 Rezepte in zwölf von Dalí eigens bebilderten Kapiteln mit Titeln wie "Weiche Uhren im Halbschlaf", "Sodomitische Zwischengerichte", "Monarchenfleisch" oder "Desoxyribonuklein-Atavismen". Saucen-Sottisen und Bouillon-Bonmots des Meisters à la "Der Kiefer ist unser bestes Werkzeug, um uns philosophisches Wissen anzueignen", oder "Den Elan meiner Eingeweide halte ich für den höchsten Wegweiser" geben zusätzliche Würze. All diese köstlichen Rezepte lassen sich zu Hause nachkochen, wenngleich einige etwas Übung, eine gut bestückte Vorratskammer und vielleicht auch eine spezielle neuronale Verschaltung voraussetzen. Dies ist Kochkunst alter Schule, von Dalí eingesammelt in Pariser Edelrestaurants. Les dîners de Gala ist zugleich Kunstwerk, Kochbuch und ein multisensorisches Abenteuer.