Bøker utgitt av Taschen GmbH

Im New York der Fünfzigerjahre, bevor er zu einem der bekanntesten Künstler des 20. Jahrhunderts wurde, war Andy Warhol ein geschätzter und erfolgreicher Gebrauchsgrafiker . In dieser Zeit schuf er, um Kunden zu gewinnen, Kontakte zu pflegen und Freundschaften aufzubauen, sieben handgefertigte Bücher mit eigenen Zeichnungen und skurrilen Texten, die unter anderem sein Faible für Katzen, Essen, Schuhe, hübsche Jungs und hinreißende Mädchen verrieten. Die in Kleinstauflage erstellten Bücher sind heute unerschwingliche Sammlerstücke. TASCHENs Reprint von sieben dieser Bücher im XL-Format gleicht Warhols Originalen im Detail. Mit Titeln wie Love Is a Pink Cake, 25 Cats Named Sam und À la recherche du shoe perdu offenbaren die Bände Warhols vollendete Zeichenkunst , seine grenzenlose Kreativität und seinen mit zahlreichen Anspielungen gespickten Humor. Dieser Band ist ein reizvolles Spiel mit Stilen und Gattungen ; so widmet A Is for Alphabet jedem Buchstaben des Alphabets eine eigene Seite, während die Illustrationen von holprigen Dreizeilern über merkwürdige Begegnungen zwischen Mensch und Tier begleitet werden. In the Bottom of My Garden ist Warhols Version eines Kinderbuchs und zugleich ein Bekenntnis zur homoerotischen Liebe. Bei Wild Raspberries hingegen parodiert er mit einem Füllhorn abenteuerlicher Rezepte ein Kochbuch. Dieses farbenfrohe Portfolio wird durch Essays ergänzt, in denen Warhols Illustrationen erläutert werden. Mit selten gesehenen Fotografien des Künstlers und Bildern seiner kommerziellen Auftragsarbeiten ordnen sie Warhols Kunst aus den fünfziger Jahren in einen größeren Zusammenhang ein und bietet Einblicke in seine frühe schöpferische Vorgehensweise. Diese wenig bekannten, aber sehr begehrten Frühwerke Warhols wirken heute noch ebenso anregend und originell wie in den seligen Zeiten der 1950er. Mit einem einführenden Essay der Warhol-Expertin Nina Schleif sowie zeitgenössischen Bildern und Fotos von Warhol zeigt dieser sorgfältige Nachdruck Warhol in dem Moment, in dem aus dem Gebrauchsgrafiker ein Künstler wird. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

In endlosen Oden an den weiblichen Körper ermalte sich Amedeo Modigliani (1884-1920) mit langgestreckten Körpern und Mandelaugen seinen Platz in der Kunstgeschichte. Seine aparten Frauenbildnisse, sinnlich und mit Schwanenhals, sind unverkennbar. Diese einzigartigen Figuren entsprangen dem persönlichen Schönheitsideal des Malers, der sich dabei jedoch von zahlreichen visuellen Quellen inspirieren ließ, darunter dem zeitgenössischen Kubismus, afrikanischen Holzschnitzereien, kambodschanischen Skulpturen und der italienischen Malerei des 13. Jahrhunderts . Obwohl vor allem für seine weiblichen Akte bekannt, wandte Modigliani denselben Stil auch auf Porträts männlicher Künstlerkollegen wie Pablo Picasso , Jean Cocteau und Chaïm Soutine an. Dieses Buch stellt einige der wichtigsten Werke Modiglianis vor und zeichnet seine kurze aber steile Karriere im Herzen der Avantgarde in Paris nach.

Egal, ob Parfüms oder Pyjamas, Wurst oder Wein - Produkte ansprechend und innovativ zu verpacken ist eine Wissenschaft für sich. Diese kompakte Ausgabe beinhaltet mehr als 600 Kreationen aus über 35 Ländern und ist damit eine Würdigung der außerordentlichen Leistungen der globalen Verpackungsdesign-Community. Gezeigt werden die Siegerentwürfe der Pentawards der letzten zehn Jahre, des weltweit wichtigsten Wettbewerbs in diesem Feld. Das Verpackungsdesign ist eine der lebendigsten und kompetitivsten Designdisziplinen. Unterschiedlichste Faktoren spielen eine Rolle: die Bedürfnisse der Kunden, Vorgaben von Seiten des Marketings, die sich unaufhörlich weiterentwickelnden Umwelt-Policies und die Rücksichtnahme auf kulturelle Aspekte und Diversität. Um all diesen Ansprüchen gerecht zu werden, befassen sich unzählige Beteiligte mit den kleinsten Details... Designer, verschiedenste Dienstleister, Werkstoffzulieferer, Druckereien - ein eigene Galaxie, in der sich alles und alle um die Verpackung drehen. Die vor 15 Jahren ins Leben gerufenen Pentawards - der dynamischte und vielfältigste Preis der Branche - setzen jedes Jahr aufs Neue globale Maßstäbe in Sachen Qualität, indem die cleversten und vielseitigsten Designs auserkoren werden. Das Package Design Book - Volume 2 zeigt die Gewinner der vergangenen Dekade und lässt damit das Verpacken als kaleidoskopische Kunstform hochleben. Darin werden nicht nur neue und unerwartete Entwicklungen zur Geltung gebracht, dieser Band vermittelt auch eine klare Vision der Entwicklung dieser Industrie, insbesondere hinsichtlich neuer Materialien und des Themas Nachhaltigkeit. Über die Reihe Bibliotheca Universalis - Kompakte kulturelle Begleiter zur Feier des eklektischen TASCHEN-Universums!

Die ehrwürdige Tradition der botanischen Illustration lässt sich bis in die Renaissance zurückverfolgen. Sie entstand aus dem Wunsch, die Natur in all ihrer launigen Pracht zu katalogisieren, und dazu bedurfte es der präzisesten und begabtesten Künstler. Mit seinem bemerkenswerten Geschick, das ihn in die Lage versetzte, die kompliziertesten Motive aus der Natur wiederzugeben, gilt Pierre-Joseph Redouté weithin als bester Maler und Stecher botanischer Abbildungen . Weil ihm nicht Exemplare aus einem Herbarium, sondern lebende Pflanzen als Vorlage dienten, wirkten seine Aquarelle ungewöhnlich fein und frisch . Zudem war er ein Wegbereiter neuer Drucktechniken , der die "Punktgravur" nach Frankreich brachte, weil er stets eine immer größere Präzision in seiner Kunst anstrebte. Zufällig konnte sich Redouté Förderung durch einige der einflussreichsten Mäzene seiner Zeit sichern, darunter Königin Marie-Antoinette und Kaiserin Joséphine , die dafür sorgten, dass seine Werke finanziert und ausgestellt wurden.Seine eindrucksvolle Sammlung umfasst über 2.000 Gemälde von Pflanzen, die er mit großer Genauigkeit und strenger Naturtreue abbildete. In dieser Ausgabe von Les Roses wendet Redouté seine Aufmerksamkeit der romantischsten, begehrtesten und sinnträchtigsten aller Blumen zu. Dieses Werk, das ursprünglich zwischen 1817 und 1824 in drei Bänden erschien, gehört bis heute zu seinen bekanntesten und berühmtesten.

Zaha Hadid war eine revolutionäre Architektin. Jahrelang wurde sie in weiten Kreisen gefeiert und mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet, obwohl sie praktisch nichts baute. Einige behaupteten sogar, es sei schier unmöglich, ihre Entwürfe umzusetzen. Dennoch wurden Hadids Visionen in ihren späteren Lebensjahren Realität und brachten ein neues, einzigartiges architektonisches Vokabular in Städte und Projekte wie das Port House in Antwerpen, das Al Janoub Stadium bei Doha in Katar und das beeindruckende neue Flughafengebäude in Peking. Zum Zeitpunkt ihres verfrühten Ablebens 2016 war Hadid fest in der höchsten Architekturelite etabliert und arbeitete an Bauvorhaben in Europa, China, dem Nahen Osten und den Vereinigten Staaten. Sie war die erste Architektin, die sowohl den Pritzker-Architekturpreis als auch die prestigeträchtige Royal Gold Medal der RIBA erhielt. Ihr langjähriger Partner Patrik Schumacher leitet heute das Büro Zaha Hadid Architects. Diese kompakte Ausgabe , die auf Grundlage der XXL-Monografie entstand, deckt Hadids sämtliche Werke bis hin zu laufenden Projekten ab. Mit reichlich Fotos, ausführlichen Skizzen und Hadids eigenen Zeichnungen folgt der Band ihrer Laufbahn, indem er nicht nur ihre bahnbrechendsten Bauten erfasst, sondern auch ihre Entwürfe für Möbel und Inneneinrichtungen einbezieht, die Teil ihrer einzigartigen Welt waren, die unverkennbar den Stempel des 21. Jahrhunderts trägt.

Der Kisokaido durch Japan wurde Anfang des 17. Jahrhunderts vom damaligen Herrscher Tokugawa Ieyasu angelegt. Auf dem mühsamen Weg von Edo (dem heutigen Tokio) nach Kyoto ließ er in regelmäßigen Abständen Rastplätze einrichten, an denen Gasthäuser, Läden und Restaurants den erschöpften Reisenden Kost und Logis boten. Im Jahre 1835 erhielt der anerkannte Holzschnitzer Keisai Eisen den Auftrag, die Reise auf der Kiso-Straße in einer Reihe von Schnitten abzubilden. Nachdem er 24 Holzschnitte fertiggestellt hatte, wurde Eisen durch Utagawa Hiroshige abgelöst, der die Reihe von 70 Holzschnitten schließlich 1843 vollendete. Sowohl Eisen als auch Hiroshige waren renommierte Holzschnittkünstler . In Kiso Kaido Rokujukyu-tsugi lassen beide ihre charakteristische Handschrift erkennen, ohne dabei den harmonischen Gesamteindruck zu verraten. Von der belebten Ausgangsstation Nihonbashi bis zur Festungsstadt Iwamurata wählte Eisen in seinen Bildern gedecktere Farben, zeichnet sich jedoch durch die Darstellung von Personen - vor allem glamourösen Frauen - aus und schwelgt in Momentaufnahmen des Treibens entlang der Strecke , vom Beschlagen eines Pferdes bis zum Fegen von Reis. Hiroshige demonstriert mit atmosphärischen Szenen , wie souverän er die Landschaftsdarstellung beherrscht, von den friedvollen Ufern des Ota bis zum Furcht einflößenden Wada-Pass und einem Aufstieg zwischen Yawata und Mochizuki im Mondschein . Die Sammlung Die neunundsechzig Stationen des Kisokaido stellt nicht nur einen Höhepunkt der Holzschnittkunst dar - mit kühnen Kompositionen und experimentellem Einsatz von Farbe -, sondern bildet auch einen reizvollen Bildteppich vom Japan des 19. Jahrhunderts, lange bevor die Industrialisierung über das Reich der aufgehenden Sonne hereinbrach. Diese Ausgabe zeigt das einzige bekannte Exemplar dieser Serie, das fast vollständig aus seltenen Erstdrucken besteht, und lässt so den Bilderzyklus in TASCHENs kompaktem Jubiläumsformat in gebührender Pracht wiederauferstehen.

In den letzten Jahren verfolgten Steven Heller und Julius Wiedemann die weltweit neuesten Entwicklungen in der Illustration . All diejenigen, die dachten, digitale Gestaltung bedeute das Ende eines ganzen Berufsfeldes, werden in diesem Band eines Besseren belehrt. Bevor Massenmedien unsere Sehgewohnheiten für immer veränderten, war Illustration das effektivste Mittel, um die Wirkung von Worten auf Papier zu verstärken. Heute starren wir auf Bildschirme, die teilweise klein wie ein Ziffernblatt sind, was heutige Illustratoren und Designer aber glänzend parieren: Illustrationen sind freier und vielfältiger denn je . Sie sind allgegenwärtig in sämtlichen Arten von Medien , vom Papier bis zum Bildschirm, über Verpackungen, Bücher bis hin zur Kleidung. Es gibt aktuell mehr Illustratoren, die zur Populärkultur beitragen als jemals zuvor. Dieser Band feiert die schiere Qualität, Vielfalt, Intensität, Komik, Vitalität und Einzigartigkeit der gezeigten Arbeiten . Von etablierten Künstlern bis hin zu aufstrebenden Stars - die hier vertretenen "Besten" sind nur die Spitze des sprichwörtlichen Eisbergs, bieten aber eine überzeugende Momentaufnahme der weltweit angesagtesten Stile, Techniken und Farbgestaltungen . Wählen Sie Ihre Favoriten!

Der dritte Band der Bibliothek der Esoterik unternimmt eine spannende Reise durch die Geschichte der Hexenkunst und folgt dabei der magischen Praxis von ihren Ursprüngen bis zu heutigen Inkarnationen. Witchcraft zeichnet mit mehr als 400 Kunstwerken, aufschlussreichen Essays und Interviews mit modernen Magierinnen und Magiern die Chronik einer kathartischen Entwicklung nach, die von den ersten Zeugnissen zur Verehrung antiker Göttinnen bis zu der vielgestaltigen Hexen-Community von heute reicht.

domus, 1928 von dem großen Mailänder Architekten und Designer Gio Ponti gegründet, war das erste Magazin seiner Art und galt für Jahrzehnte als einflussreichste Architektur- und Designzeitschrift der Welt. domus war Spiegelbild des Zeitgeistes und prägte ihn zugleich mit.Dieser Band dokumentiert die Entwicklung des Magazins in den Jahren 1928 bis 1939. Es war eine Ära, die durch das Aufkommen des Internationalen Stils berühmt wurde, definiert durch wegweisende Bauten, Intérieurs und Möbel von Le Corbusier, Mies van der Rohe, Marcel Breuer, Alvar Aalto und Richard Neutra. Die italienische Avantgarde - darunter Giuseppe Terragni, Carlo Mollino, Gio Ponti, Melchiorre Bega, Franco Albini und Studio BBPR - war ebenfalls von zentraler Bedeutung in diesem Jahrzehnt des Modernismus. Treten Sie ein in das Reich der Röhrenmöbel, Wendeltreppen und Wolkenkratzer aus Stahl, Glas und Beton und in eine Zeit, in der "Form follows function" und "Less is more" zu Parolen einer zeitgemäßen Architektur wurden.domus distilled Sieben Bände über den Zeitraum von 1928 bis 1999 Über 4.000 Seiten mit einflussreichen Projekten der wichtigsten Architekten und Designer Original-Layouts und sämtliche Titelseiten Einleitende Essays von renommierten Architekten und Designern Jede Ausgabe mit einem Anhang von erstmalig aus dem Italienischen ins Englische übertragenen Texten Ein umfassender Index in jedem Band verzeichnet die Namen aller Designer und Hersteller

Vor über 100 Jahren stellten die Gebrüder Adolf ("Adi") und Rudolf Dassler ihre ersten paar Sportschuhe her. TASCHEN präsentiert jetzt eine visuelle Aufarbeitung der Geschichte des adidas-Schuhs mit fast 200 Modellen . Wir begegnen Helmut Rahns Endspielschuhen des "Wunders von Bern" , Sondermodellen für Run DMC oder Lionel Messi , Collabs mit wichtigen Designern, Musikern und Organisationen wie Pharrell Williams , Raf Simons , Stella McCartney , Yohji Yamamoto sowie wegweisenden Techniken und Materialien. Um seine Produkte weiter zu entwickeln und auf ihre spezifischen Bedürfnisse zuzuschneiden, bat Dassler die Athleten, ihre getragenen Schuhe nach Gebrauch zurückzugeben (bis heute geben viele Sportler ihre Schuhe an adidas zurück, oft als Dankeschön nach einem Titelgewinn oder Weltrekordversuch). Daraus entwickelte sich das "adidas archive" , eines der weltweit größten historischen Archive eines Sportartikelherstellers, das die Fotografen Christian Habermeier und Sebastian Jäger seit Jahren umfassend und detailliert dokumentieren. Mittels hochauflösender Reproduktionstechniken wurden den Schuhen möglichst viele Details entlockt. Alles, was man sieht, Risse , Flecken , Grasreste , verblasste Signaturen , ist echt und bringt die persönlichen Geschichten jedes einzelnen Trägers ans Licht. Der Betrachter wird in die Lage versetzt, feinste Materialdetails wie Nähte und Webstrukturen zu entdecken und die Entwicklung des adidas-Schuhs en détail nachzuvollziehen. Mit drei Expertenessays dokumentiert der Band nicht zuletzt Deutsche Sport-, Design- und Wirtschaftsgeschichte von den Anfängen der Gebrüder Dassler über die Gründung von adidas bis heute. Sepp Herbergers Anweisung "Adi, stoll auf" ist fast so legendär wie der Radiokommentar von Herbert Zimmermann. Der Ausgang ist bekannt: Deutschland wird Fußballweltmeister und Dassler zum "Schuster der Nation". Oder der Ausspruch von Tennislegende Stan Smith: "Some people think I'm a shoe." Oder die Geschichte des Superstars , der in den 80ern durch den Song "My adidas" der New Yorker HipHop-Gruppe Run DMC zum Lifestyle-Sneaker wurde. Dies sind einige von vielen Geschichten, die Marken und Helden zusammenbringen. Man darf gespannt sein, welches sportliche Highlight als nächstes kommt.

Die 1928 von dem großen Mailänder Architekten und Designer Gio Ponti als "lebendes Tagebuch" gegründete Zeitschrift domus gilt als die einflussreichste Publikation für Architektur und Design weltweit. Mit Stil und Strenge hat das Magazin kontinuierlich über die wichtigsten Themen und Trends in den Bereichen Architektur, Produktdesign, Raumgestaltung und Industriedesign berichtet.Dieser Nachdruck zeigt die Highlights der 1960er-Jahre und dokumentiert die gewagten, praktischen und ästhetischen Projekte jener von futuristischer Erregung und boomender Popkultur geprägten Dekade. Kunststoffe sind angesagt und führen zu radikal neuen Designs, während konventionelle Vorstellungen von Eleganz experimentellen Formen weichen müssen. Arbeiten, die im Magazin besprochen wurden, mussten funktional, gradlinig, intellektuell überzeugend, originell, relevant und/oder einfach schön sein. Zu den Projekten und Praktikern, die diesen hohen Ansprüchen gerecht wurden, gehören Ray und Charles Eames, Gae Aulenti, Kenzo Tange, Verner Panton, Achille und Pier Giacomo Castiglioni, Ettore Sottsass, Carlo Scarpa, Angelo Mangiarotti, Cesare Maria Casati und Eero Saarinen.domus distilled Sieben Bände über den Zeitraum von 1928 bis 1999 Über 4.000 Seiten mit einflussreichen Projekten der wichtigsten Architekten und Designer Original-Layouts und sämtliche Titelseiten Einleitende Essays von renommierten Architekten und Designern Jede Ausgabe mit einem Anhang von erstmalig aus dem Italienischen ins Englische übertragenen Texten Ein umfassender Index in jedem Band verzeichnet die Namen aller Designer und Hersteller

domus, 1928 von dem großen Mailänder Architekten und Designer Gio Ponti gegründet, war das erste Magazin seiner Art und galt für Jahrzehnte als einflussreichste Architektur- und Designzeitschrift der Welt. domus war Spiegelbild des Zeitgeistes und prägte ihn zugleich mit.Innerhalb nur weniger Jahre ist die Architektur der 1970er vom verhöhnten Hauptschulabbrecher in Waschbetonhosen zum Liebling aller Architektur- Aficionados avanciert. Mit dem Generationenwechsel in Lehre, Forschung und Erinnerungsarbeit erfährt diese Epoche zwischen Moderne und Postmoderne eine komplette Neubewertung. Dieser Band aus TASCHENs domus-Reihe bietet die Gelegenheit, eigene Positionen mit der Expertenmeinung von damals abzugleichen. domus diskutierte in diesen Jahren unter anderem erste Überlegungen zum ökologischen Bauen und präsentiert Projekte von Shiro Kuramata, Verner Panton, Joe Colombo und Richard Meier, die modernistischen Bauten von Foster Associates und natürlich den großen Aufreger dieser Ära, das bahnbrechende Centre Georges Pompidou von Renzo Piano und Richard Rogers mit seiner demonstrativ nach außen gekehrten Technik.domus distilled Sieben Bände über den Zeitraum von 1928 bis 1999 Über 4.000 Seiten mit einflussreichen Projekten der wichtigsten Architekten und Designer Original-Layouts und sämtliche Titelseiten Einleitende Essays von renommierten Architekten und Designern Jede Ausgabe mit einem Anhang von erstmalig aus dem Italienischen ins Englische übertragenen Texten Ein umfassender Index in jedem Band verzeichnet die Namen aller Designer und Hersteller

domus, 1928 von dem großen Mailänder Architekten und Designer Gio Ponti gegründet, war das erste Magazin seiner Art und galt für Jahrzehnte als einflussreichste Architektur- und Designzeitschrift der Welt. domus war Spiegelbild des Zeitgeistes und formte ihn zugleich mit.Diese neu überarbeitete Ausgabe mit den maßgeblichen Artikeln der 1940er-Jahre dokumentiert ein Jahrzehnt, das von Terror, Zerstörung und dem mühsamen Wiederaufbau geprägt war. Selbst im Bombenhagel auf Mailand und in den Wirren der Nachkriegszeit erschien domus nahezu durchgehend und dokumentierte den gestalterischen Zeitgeist, ungeachtet der Turbulenzen, die auch das Magazin selbst während dieser Jahre erfassten. Enthalten sind unter anderem Reportagen und Artikel über modernes Industriedesign und Mobiliar, neue Fertighäuser, Architektur aus den USA, die Bauvorhaben von Carlo Mollino, Gian Luigi Banfi, Franco Albini und Giuseppe Terragni sowie die Nachkriegsblüte der organischen Architektur.domus distilled Sieben Bände über den Zeitraum von 1928 bis 1999 Über 4.000 Seiten mit einflussreichen Projekten der wichtigsten Architekten und Designer Original-Layouts und sämtliche Titelseiten Einleitende Essays von renommierten Architekten und Designern Jede Ausgabe mit einem Anhang von erstmalig aus dem Italienischen ins Englische übertragenen Texten Ein umfassender Index in jedem Band verzeichnet die Namen aller Designer und Hersteller

Pochiert, gekocht, als Rührei, in ein Medium zum Malen verwandelt, einem Cocktail beigemischt oder als Wurfgeschoss, abgefeuert auf das Haus eines Feindes: In seiner Eigenschaft als größtmögliches Paradoxon verharrt das Ei in einem fröhlichen Schwebezustand zwischen bescheidener Haushaltszutat und ewiger Quelle des Lebens. Schon in der Antike war das Ei ein allseits bekanntes Symbol. Im alten Rom wurden damit böse Geister vertrieben, es fand Eingang in die ägyptische Mythologie, und später begeisterte sich der russische Adel für kostbare Artefakte in Eiform. Dieser erste Band einer von TASCHEN gemeinsam mit der kultigen Zeitschrift The Gourmand herausgegebenen Reihe unterzieht das Ei visuell-literarischen Betrachtungen. Damit wird dieses Grundnahrungsmittel als Schnittstelle zwischen Essen und Kunst gewürdigt. Das Buch enthält eine Sammlung von Original-Essays und archetypischen Rezepten - vom perfekten pochierten Ei bis hin zu kunstvollen Desserts - und lässt damit die Vielfalt der kulinarischen Traditionen aus aller Welt hochleben. The Gourmand's Egg. A Collection of Stories and Recipes ist mit exklusiven Auftragsarbeiten von renommierten Stillleben-Fotografen illustriert. Diese gleichermaßen üppigen, absurden, schrillen und appetitanregenden Aufnahmen sind ein unverkennbares Markenzeichen von The Gourmand . Abgerundet wird der Band durch Werke von Titanen der Kunstgeschichte wie S alvador Dalí, Jean-Michel Basquiat, Frida Kahlo, David Hockney und Man Ray sowie durch spannende Texte, unter aus der Feder der Köchin, Food-Autorin und Gastrokritikerin Ruth Reichl und der Schriftstellerin und Herausgeberin Jennifer Higgie. Reichl zufolge beginnt "beim Kochen - wie bei fast allem anderen auch - alles mit einem Ei".

Wann ist ein Pissoir kein Pissoir mehr? Wenn Marcel Duchamp (1887-1968) es zur Kunst erklärt! Der Aufruhr, den Fontäne (1917) - ein in einer Galerie installiertes Porzellanurinal - auslöste, sandte Schockwellen durch die etablierte Kunstwelt, die bis zum heutigen Tag nachwirken. Duchamp baute seine Karriere darauf auf, unsere Vorstellungen von dem, was Kunst ist , auf die Probe zu stellen, und eröffnete unserem Geist damit ungeahnte Möglichkeiten. Nach einem kurzen Abstecher zum Kubismus am Anfang seiner Karriere machte sich der Künstler einen Namen mit Akt, eine Treppe herabsteigend (1912), einer bahnbrechenden Vermischung von Abstraktion, Kubismus und Futurismus mit einem umstritten mechanischen Akt im Mittelpunkt. Ungefähr zur gleichen Zeit begann Duchamp, sich mit den mittlerweile zum Kult gewordenen "Readymades" zu beschäftigen - scheinbar zufällige Fundstücke, die Duchamp dann als Kunst präsentierte, darunter Das Fahrrad-Rad (1913), Flaschentrockner (1914) und eine als Dem gebrochenen Arm voraus (1915) ausgewiesene Schneeschaufel. Duchamp löste bei den Traditionalisten weitere Herzstillstände aus mit Provokationen wie L.H.O.O.Q. (1919), für das er eine billige Kopie von Leonardos La gioconda (Mona Lisa) mit Bart und Schnäuzer bemalte und dem Ganzen obendrein einen obszönen Titel gab (im Französischen klingt die Buchstabenfolge vorgelesen wie "Elle a chaud au cul", wörtlich: "Sie hat Feuer im Arsch", sinngemäß: "Sie ist Nymphomanin."). Dieses Buch destilliert all die Provokationen und Skandale aus Duchamps Kunstschaffen zu einem unverzichtbaren Überblick , der nicht bloß einen wegweisenden Schöpfergeist vorstellt, sondern auch einen Wendepunkt der abendländischen Kunstgeschichte. Hier, zwischen den Anschlägen auf alte Meister und der gebrochenen Poesie gefundener Gegenstände, erlebte die Kunstwelt erstmals den Übergang von "Netzhauterlebnissen" zu dem, was sich später zur Konzeptkunst entwickelte .

Begleiten Sie die Architekten Florian Idenburg und LeeAnn Suen auf ihrer Reise durch eine umfangreiche Sammlung von Objekten, Systemen und Gebäuden, die seit dem Aufkommen des Internets den amerikanischen Büroraum prägen. Anhand von Geschichten und Gedanken legen Idenburg und Suen die Beziehungen zwischen Raum, Arbeit und Menschen frei und erforschen die Absichten und treibenden Kräfte hinter der Entwicklung des Bürodesigns für den arbeitenden Menschen.In zwölf Essays untersucht dieses Buch die räumlichen Typologien und globalen Phänomene, die das Büro während des letzten halben Jahrhunderts geprägt haben. Sie beschäftigen sich unter anderem mit der Rückkehr der Arbeitsvereine, dem Aufstieg des Firmenfests, dem Weg des charismatischen Gurus, der Abschaffung der Stechuhr und der Gestaltung von Spielplätzen am Arbeitsplatz. Wir radeln durch Frank O. Gehrys radikale, verspielte Räume für digitale Werbeweltnomaden, taumeln unter dem Gewicht von Stapeln von Lochkarten, fühlen die Passform unserer Körper im Aeron Chair, führen Telefonate im Bett von Hugh Hefner und scrollen durch Lil Miquelas Feed. Fotografische Essays von Iwan Baan liefern visuelle Nutzungsanalysen bekannter Büroprojekte, wie Marcel Breuers IBM-Campus in Florida und den Atriumgarten der Ford Foundation in Manhattan. Dazwischen stellen Kataloge Produktreihen experimenteller Arbeitsplatzutensilien vor sowie zukunftsweisende Werbung für Bürogebäudeteile, digitales Zubehör und Renderings spekulativer Arbeitsplätze. Jeder Katalog schlägt eine Brücke zwischen der Bürorealität von heute und unseren Ideen für ihre Alternativen von morgen.Dieses Buch bietet Architekten, Geschäftsleuten und Arbeitnehmern einen theoretischen Hintergrund. Mit Neugier und Skepsis nähert es sich Räumen und Lösungen für das menschliche Arbeiten und verfolgt den Wandel von der Arbeit zum Beruf und von der Lochkarte zum "Playbor", jenem Phänomen, das Arbeit als spielerischen Prozess sublimiert und sich aus "play" (Spiel) und "labor" (Arbeit) ableitet. Es beschreibt den Weg unserer heute erlebten Erfahrungen in eine unvorhersehbare erdachte Zukunft.

In this collection of 20th century alcohol and tobacco ads, we see how the marketing of these products spanned from the elegant to the offbeat. Each era's ads are captured with images that were once icons, from the Marlboro Man to Spuds MacKenzie. Explore advertising in a time when even doctors recommended smoking.

Get beneath the tight jeans of Tom of Finland's working-class heroes with this pocket-sized package of blue-collar lovers. With a brawny lineup of multi-panel comics and single-panel drawings and paintings, as well as photographs and sketches, this neat little book explores the tough physical types who fascinated Tom since his very first crush.

Criminal justice never looked so good as in this pocket-sized collection of Tom of Finland's favorite tightly uniformed cops and suitably butch criminals. Multi-panel comics and single-panel drawings and paintings are contextualized with sketches, reference images, and personal photos of Tom.

Nicolas Roegs The Man Who Fell to Earth von 1976 wurde ursprünglich als "bewusstseinserweiterndes Erlebnis" angekündigt und verschlug der Kinowelt dann tatsächlich die Sprache. Diese Tour de Force der Science-Fiction als Kunstform bescherte dem Publikum nicht nur hypnotische Bilder und explizite Kritik an der modernen Konsumgesellschaft, sondern auch Glam-Rock-Legende David Bowie , der in der Rolle des paranoiden Außerirdischen namens Newton seine Ziggy-Stardust-Persona weiter ausbaute. Der Film nach Walter Tevis' gleichnamigem Scifi-Roman von 1963 schildert die Erlebnisse des Außerirdischen Newton, der auf der Erde nach Wasser für seinen Heimatplaneten sucht, dank seiner überragenden Intelligenz und seines fortschrittlichen technologischen Wissens einen Industriekonzern aufbaut und mit der jungen Mary-Lou seine Sexualität entdeckt, aber letztlich am gefühlskalten Egoismus und der Oberflächlichkeit der Menschen zerbricht. Roeg entlockt seinen Darstellern absolute Bestleistungen - nicht nur Bowie in all seiner außerirdischen Entrücktheit , sondern auch den Co-Stars Candy Clark, Rip Torn und Buck Henry . David Bowie - The Man Who Fell to Earth präsentiert eine Fülle von Standbildern und Aufnahmen des Filmfotografen David James von den Dreharbeiten , darunter zahlreiche Fotos von Bowie in schauspielerischer Bestform. Ein neuer einleitender Essay setzt sich mit den Dreharbeiten des Films und mit seiner Bedeutung für das Scifi-Genre auseinander - unter Einbeziehung eines Exklusivinterviews mit David James , der Einblicke aus erster Hand in die Entstehung dieses Scifi-Meisterwerks beisteuert.