Bøker utgitt av Taschen GmbH

Seit im Jahr 1977 zum ersten Mal der magische Einleitungssatz "Es war einmal vor langer Zeit in einer weit, weit entfernten Galaxie..." über die Kinoleinwand flimmerte, sind Generationen von Film- und Scifi-Fans Luke Skywalker, Han Solo, Prinzessin Leia Organa, R2-D2 und C-3PO und natürlich dem beliebtesten Schurken und schlimmsten Vater des Universums, Darth Vader, auf ihren abenteuerlichen Reisen durch die endlosen Weiten des Alls gefolgt, haben - je nach der individuellen sittlich-moralischen Grunddisposition - aufseiten der Rebellen oder der Sturmtruppen gekämpft, den Millenium Falken geschrottet, mit Meister Yoda die Syntax verunstaltet und das Lichtschwert tanzen lassen.Mit seiner Sternensaga hat Georg Lucas eine Welt von mythischer Strahlkraft und das Filmfranchise der Kinogeschichte schlechthin erschaffen. Dass er sich bei der Konzeption von Star Wars durch das Buch "Der Heros in tausend Gestalten" des von ihm verehrten amerikanischen Literaturwissenschaftlers und Mythenforschers Joseph Campbell (1904-1987) und der darin beschriebenen archetypischen Grundstruktur der Heldenreise leiten ließ, ist mittlerweile feuilletonistisches Allgemeingut. Dass diese Rezeptur, angereichert mit Westernmotiven, Slapstickelementen, Popcorndialogen und etwas fernöstlicher Spiritualität und in Szene gesetzt mit einem bis dahin unbekannten Aufwand an Tricktechnik und Spezialeffekten, tatsächlich funktionierte und er ein Epos von bleibender Faszination erfunden hatte, kam selbst für Lucas damals überraschend.Dieser Band, entstanden in enger Kooperation mit George Lucas und Lucasfilm, deckt die Entstehungsgeschichte der Originaltrilogie ab - Krieg der Sterne (A New Hope), Das Imperium schlägt zurück (The Empire Strikes Back) und Die Rückkehr der Jedi-Ritter (Return of the Jedi). Er ist vollgepackt mit selten gezeigten Dokumenten, mit Drehbuchseiten, Produktionsunterlagen, Konzeptentwürfen, Storyboards und natürlich einer Fülle an Fotos aus den Filmen und von den Dreharbeiten. Möge die Macht mit euch sein!

Sei es ein kulinarisches Abenteuer im pulsierenden Mexico City, eine meditative Zugfahrt durch Sibirien oder ein Solo-Trip nach Paris: Egal was auf Ihrer Wunschliste ganz oben steht - diese Sammlung präsentiert 100 Traumziele aus den Reiseseiten der New York Times - vier Bände voller Abenteuer in einem . Explorer führt über das Naheliegende hinaus zu nicht ganz so bekannten, exotischen Orten , vermittelt aber auch neue Blickwinkel auf vertraute Urlaubsziele . So berichten namhafte Times -Autoren in der ersten Person von ihren ganz persönlichen Eindrücken: Begleiten Sie Andrew McCarthy auf den Bermudas an rosa Sandstränden und Bougainvillea vorbei, folgen Sie Francine Prose auf den Spuren Virginia Woolfs durch die englische Landschaft oder trauen Sie sich, mit Tony Perrottet ein Boot durch die Lagune von Venedig zu steuern. Explorer . 100 Reisen rund um die Welt - herausgegeben von Barbara Ireland, deren Reiseserie 36 Hours ein Bestseller bei TASCHEN ist - enthält neben persönlichen Empfehlungen viele praktische Tipps , die Ihnen die Planung der Reise erleichtern, dazu eine Fülle postkartenreifer Farbfotos , die das besondere Flair des jeweiligen Orts perfekt einfangen. Abgerundet wird diese Ausgabe durch farbkodierte Registerkarten und ein Lesebändchen zur Markierung Ihrer Lieblingshaltestellen in jeder Region. Selbst in Zeiten, in denen physisches Reisen nur erschwert möglich ist, lädt dieses Buch ein, zu blättern, zu träumen und die Schönheit und Wunder unserer Welt zu bestaunen.

Mit fast 300 Einträgen bietet dieses Lexikon der Baukunst einen unverzichtbaren Überblick über die Schlüsselfiguren bei der Erschaffung moderner Bauformen . Wir stellen Ihnen die wegweisenden Architekten des 19. bis 21. Jahrhunderts mit jeweils einem Porträt, einer Kurzbiografie sowie einer Präsentation ihrer wichtigsten Arbeiten vor. Wie auf einer persönlichen Weltreise durch die Architektur reisen Sie von den Wolkenkratzern Manhattans zu einem japanischen Konzertsaal, von Antoni Gaudí s Palau Güell in Barcelona zu Lina Bo Bardi s Sport- und Freizeitzentrum auf einem ehemaligen Fabrikgelände in São Paulo. Sie erleben Gio Ponti s bunte Geometrien, Zaha Hadid s frei fließenden Futurismus, das lichtdurchflutete Innenleben von SANAA und Charles Rennie Mackintosh s einzigartige Mischung aus schottischer Tradition und elegantem Japonismus. Die alphabetisch angeordneten Einträge umfassen außerdem Gruppierungen, Strömungen und Stile , um diese führenden Architekten besser in ihr zeitgeschichtliches und geografisches Umfeld einordnen zu können, darunter der Internationale Stil , das Bauhaus , De St¿l und viele mehr. Anschaulich illustriert, unter anderem mit einigen der besten Architekturfotografien unserer Zeit , bildet dieser Band ein umfassendes Nachschlagewerk für alle Fachleute, Studenten und Architekturliebhaber.

Jan van Eyck (um 1390-1441) war ein Meister in der Kunst der wirklichkeitsgetreuen Abbildung und ebnete den Weg für spätere realistische Maler. Sein bekanntestes Gemälde, das Arnolfini-Doppelbildnis , eines der berühmtesten der Kunstgeschichte, ist ein typisches Beispiel für van Eycks ausgeklügelte Details und eine stark symbolhaltige Ikonografie , die das Bild bis heute zum Geheimnis macht (was man ebenso über sein Leben sagen kann): Sehen wir die unschuldige Darstellung eines Heiratsversprechens, wie der erste Blick nahelegen mag, oder gar eine Wiedergängerin aus dem Jenseits, die um Erlösung bittet? Das Gemälde lädt den Betrachter ein, der Spur mit den eigenen Augen zu folgen und sich tief hinein ins Bild zu begeben. Van Eycks naturalistische Darstellungen umfassten sowohl weltliche als auch religiöse Themen und bewegten sich nahtlos zwischen dem realen Alltag der Menschen im 15. Jahrhundert und den "himmlischen Kulissen". So sagte man ihm nach, "das Heilige ins Haus" zu holen. Zudem wurde van Eyck eine der folgenreichsten Errungenschaften der Kunstgeschichte zugeschrieben: In den Lebensbeschreibungen des Vasari heißt es, der Künstler habe die Ölmalerei erfunden. Die Einführung aus TASCHENs Kleiner Reihe dokumentiert Leben und Werk van Eycks, zeigt Altar- und Heiligenbilder sowie private Auftragsporträts - van Eyck war einer der ersten, der das Porträt als autonome Bildgattung etablierte. Ein eigenes Kapitel widmet sich dem Genter Alta r, Jan van Eycks umfangreichstem, vielseitigstem und komplexestem Werk. Die jüngst entstandenen Neuaufnahmen der restaurierten Tafeln kommen einer kleinen Revolution gleich. Sie ermöglichen eine neue Sichtweise, und die vielen Details erlauben die Arbeitsprozesse neu zu definieren.

Als der Comicverlag Marvel im November 1961 Fantastic Four No. 1 veröffentlichte, sollte dies die Populärkultur grundlegend verändern. War das Superheldengenre zuvor vorwiegend eine Domäne eindimensionaler, alltagsferner Helden und schlichter Erzählstränge, schlüpften unter Federführung von Marvel-Kreativchef Stan Lee nun immer komplexere und in ihren Alltagskonflikten glaubwürdige Charaktere in Superheldentrikotagen, um den Mächten des Bösen die Kinnlade zu richten. Kurz: Der Superheld wird sozialversicherungspflichtig, wohnt gleich um die Ecke und weiß auch nicht immer weiter. Neue Helden und narrative Innovationen - eine Rezeptur, die beim Publikum ankommt: Hulk, Spider-Man, Iron Man und die X-Men erblicken das Licht der Welt, Superpatriot Captain America wird aus dem Eis befreit, in dem er seit den 1940er-Jahren überdauert hat, und die Avengers steigen zum mächtigsten Superheldenteam der Welt auf. Daredevil, Doctor Strange und etliche weitere Helden kommen hinzu, und jedem folgt eine ganze Horde abgrundtief böser Schurken. Heute, mehr als fünfzig Jahre später, sind sie allesamt Ikonen der Popkultur und Megastars im Kino und den dazugehörigen Verwertungsketten, und auch ihre Ziehväter von einst, Stan Lee und Zeichner wie Steve Ditko, Jim Steranko, Jack Kirby oder John Romita, sind zu Legenden geworden. Das Marvel-Zeitalter der Comics 1961-1978 führt mitten hinein in diese wegweisenden Jahre, in die Kinderstube von Hulk, Iron Man, Thor, Wolverine und all den anderen, eine Ära, in der das sieche Superheldengenre neu belebt und zukunftstauglich gemacht wurde. Über 500 Seiten voll knallharter Fakten und voller Bilder, die dich aus den Socken hauen! Hundertpro! © 2020 MARVEL

Die Werke Vincent van Goghs (1853-1890) gehören heute zu den bekanntesten und gefeiertsten der Welt. Von den Sonnenblumen über die Sternennacht bis hin zum Selbstporträt mit verbundenem Ohr begegnet man einem Künstler, der einzigartig virtuos in der Darstellung von Textur und Stimmung, Licht und Ort war. Doch van Gogh kämpfte zu Lebzeiten nicht nur mit dem weitgehenden Desinteresse seiner Zeitgenossen, sondern auch mit verheerenden Phasen von Depressionen und Wahnvorstellungen, die ihn schließlich sein Leben kosteten, als er kurz nach seinem 37. Geburtstag Selbstmord beging. Dieser opulente Band über Vincent van Gogh, das gequälte Genie der Kunst des 19. Jahrhunderts, enthält neben Schriften und Essays den vollständigen Katalog seiner 871 Gemälde und zeichnet Leben und Werk eines Künstlers nach, der als einer der bedeutendsten Maler der Geschichte gilt und die moderne Kunst bis heute überragt.

Das Berlin der Goldenen 1920er ist eine Erfolgsstory, die das 20. Jahrhundert seinen Kindern und jetzt auch Kindeskindern immer wieder gerne erzählt: so viel Rasanz, Theatralik, Drama, Lichter der Großstadt, Verkehrschaos, Leben, das laut auf sich aufmerksam macht, will es nicht in Hinterhöfen und Mietskasernen verkümmern, Cabaret, Theater, Funk, Film, Reklame, Bubikopf und Monokel, queere Kieze, Charleston und der "Onkel Bumba aus Kalumba" ; alles rennt, rast und schwoft, jeden Tag breaking news , Sensationen und Spektakel. An dieser Geschichte, deren Strahlkraft heller leuchtet als fünf Millionen Osram-Birnen (Werk Berlin-Friedrichshain), haben viele mitgestrickt: Kunstschaffende, City Girls, Gigolos, Bohemiens, Intellektuelle, Koksbarone, Ringvereine und Politgangster, Wissenschaftler, Sportskanonen und Spekulanten, Dr. Mabuse, Mackie Messer, Maria, der schöne Maschinenmensch und eine endlose Parade von tanzwütigen Nachtschwärmern. Nach den Bestsellern Hollywood in the 30s und Jazz: New York in the Roaring Twenties hat sich Illustrator Robert Nippoldt diesmal mit dem Schriftsteller Boris Pofalla zusammengetan, um den Geist dieses Jahrzehnts in einem atmosphärisch dichten Album einzufangen. Nippoldt stellt nicht nur bekannte Figuren wie Lotte Reiniger, Christopher Isherwood, Albert Einstein, Kurt Weill, Marlene Dietrich und George Grosz vor, sondern auch Thea Alba, "die Frau mit zehn Gehirnen", Magnus Hirschfeld, den "Einstein des Sex", und den berühmt-berüchtigten Ganoven Adolf Leib. Bevor Weltwirtschaftskrise und Naziherrschaft Berlin das Licht ausknipsen, zeigt uns Nippoldt noch einmal alles: die grellen Lichter der Großstadt und das Grau der Fabriken, Hinterhöfe und Mietskasernen, das Geschrei der Sporthallen und die Stille der Theatersäle, den Gesang der Comedian Harmonists und Marlene Dietrich, die sich zylinderbehütet eine Zigarette anzündet und dann - kluge Frau - ein Dampferticket nach Hollywood kauft. Auszeichnungen: ADC Award, 2019, New York iF Design Award, 2019, Hannover A' Design Award, 2019 Como/Italy Econ Megaphone Award, Shortlist, 2019, Berlin Indigo Design Award, 2019, Amsterdam German Design Award, 2019, Frankfurt Best Book Award, 2018, Los Angeles Berlin Type Award, 2018, Berlin Red Dot Design Award, 2018, Essen ADC Award, 2018, Berlin Joseph Binder Award, 2018, Vienna International Design Award, 2018, Los Angeles International Creative Media Award, 2018, Meerbusch Stiftung Buchkunst, Shortlist, 2018, Frankfurt

Bis zum heutigen Tag hat das Werk Jean-Michel Basquiats (1960-1988) nichts von seiner Frische, Spontaneität und Kraft eingebüßt. Der Künstler trat erstmals in den späten 1970er-Jahren in der New Yorker Kunstszene unter dem tag-Namen SAMO in Erscheinung, als er sarkastische Kommentare und Gedichtfragmente an die Wände der Stadt sprühte. Als diese Untergrundszene, geprägt von Street-Art, HipHop, Post-Punk und DIY-Filmemachern, in immer etabliertere Kreise vordrang, fand Basquiats ausdrucksstarke Malerei große Beachtung in der Kunstwelt. Bereits 1981 war er in wichtigen New Yorker Galerien vertreten und bald danach weltweit ein Begriff. 1983 begann seine Zusammenarbeit mit dem damals größten Star der Kunstszene, Andy Warhol, und 1985 zierte Basquiat das Titelbild des New York Times Magazine. Als er im Alter von nur 27 Jahren starb, war er einer der erfolgreichsten Künstler seiner Zeit.Basquiats persönlicher, expressiver Stil setzt sich aus groben Figurzeichnungen und ins Bildfeld integrierten Wörtern und Phrasen zusammen. Inspiriert von den Stars des Jazz, berühmten Boxern oder Basketballspielern, enthält sein Werk eine Vielzahl von Verweisen auf die Geschichte und Politik des street life. So lautete die Antwort Basquiats auf die Frage nach seinen Themen: "Könige, Heldentum und die Straße."Nach unserem XXL-Bestseller über Leben und Werk Jean-Michel Basquiats erscheint nun zum 40-jährigen Jubiläum von TASCHEN diese leicht gekürzte, kompaktere Ausgabe. Hervorragende Reproduktionen seiner Gemälde, Zeichnungen und Notizbuchskizzen ermöglichen ein genaues Studium von Basquiats verschlungenen Zeichen und gekritzelten Wortfragmenten. Der Band enthält eine Einleitung des Herausgebers Hans Werner Holzwarth zum Künstler sowie einen Essay der Kuratorin Eleanor Nairne über Basquiats Themen und künstlerische Entwicklung. Die reichhaltig illustrierten Kapitel folgen den Lebensjahren des Künstlers, zitieren eigene Aussagen sowie zeitgenössische Rezensionen und erläutern persönliche Hintergründe und den historischen Kontext.

Manet nannte ihn "den größten aller Maler". Sein Meisterwerk Las Meninas, das ihn selbst bei seiner Brotarbeit, der PR für das spanische Königshaus, zeigt, während es die Majestäten in einen kleinen Spiegel in den Bildhintergrund verbannt, hat kluge Köpfe wie José Ortega y Gasset oder Michel Foucault nachhaltig beschäftigt und etwa Picasso derart beflügelt, dass er gleich 44 Variationen davon malte. Ob Monet oder Renoir, Corot oder Courbet, Degas oder Dalí und Francis Bacon, viele Stars der Kunstgeschichte haben Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660), der die Malerei zum intellektuellen Unterfangen nobilitierte und Bettler und Narren mit der gleichen Hingabe und Akribie porträtierte wie seine höfischen Auftraggeber, ihre Reverenz erwiesen."Der Prachtband vermittelt einen fast physischen Eindruck von den Porträtierten, dem Spiel von Licht und Schatten auf ihrer Haut, dem Glanz der Seidengewänder und der Textur der kostbaren Stickereien. Ein visueller Hochgenuss, der verständlich macht, warum Velázquez' Malerei Generationen von Künstlern beeinflusst hat", urteilte NDR. Kultur über unsere ursprünglich im XXL-Format erschienene Werkschau des spanischen Malers. Diese Neuausgabe im kleineren Format enthält alle Features der Originalausgabe, exzellente Reproduktionen, Ausschnittvergrößerungen, neue Fotografien erst jüngst restaurierter Gemälde und die aufschlussreichen Kommentare des Kunsthistorikers José López del Rey.

Wie groß muss man sein, um ein Imperium begründen zu können? Mäuserichgroß genügt vollauf: Als am Abend des 18.11.1928 der Zeichentrickfilm Steamboat Willie in New York über die Kinoleinwand flimmerte, war der Grundstein für eine der wenigen Karrieren gelegt, die man tatsächlich uneingeschränkt einzigartig nennen kann. Mickey Mouse, der Held von Steamboat Willie, brachte es in kürzester Zeit zu einer internationalen Popularität, wie sie vorher höchstens Charlie Chaplin vergönnt gewesen war, und leitete den Aufstieg der Disney Company zum größten Medienunternehmen der Welt ein.Heute feiern wir über 90 Jahre der berühmtesten, pfiffigsten und charmantesten Maus der Welt mit einer der umfangreichsten illustrierten Biografien, die es je zu MM gegeben hat. Mit einer immensen Fülle an Dokumenten aus den Disney-Archiven und zahlreichen öffentlichen und privaten Sammlungen zeichnen die Autoren alle Stationen von Mickeys Erfolgsgeschichte nach, die sich nicht nur auf Comicstrips und den Zeichentrickfilm beschränkt(e). Hunderte von Illustrationen, darunter die allerersten Entwürfe, Animationszeichnungen, Storyboards, Hintergründe, Plakate und zahlreiche Fotografien, illustrieren vertraute und weniger bekannte Facetten der Maus, die als Botschafter Disneys Weltruhm erlangte: Mickey im Zeichentrickfilm, Mickey im Comicstrip, Mickey im patriotischen Einsatz während des Zweiten Weltkrieges, sein Auftritt als Zauberlehrling in dem abendfüllenden Spielfilm Fantasia, einer ambitionierten und unvergesslichen Visualisierung klassischer Musik, Mickey im TV (The Mickey Mouse Club) u. v. m.Alle Künstler, die Mickey je Leben eingehaucht haben - ob im Trickfilm oder Comic -, werden vorgestellt, angefangen mit dem großartigen Ub Iwerks, und zahlreiche unvollendete Projekte, deren Vorstudien und Storyboardzeichnungen hier zum ersten Mal veröffentlicht werden. Zollen wir dem kleinen großen Kerl, seiner Legende und seinem Vermächtnis mit diesem Denkmal für eine Maus Tribut!Copyright © 2020 Disney Enterprises, Inc.

Bereits ein Jahr nach seiner Ankunft in Hollywood 1914 war der gebürtige Brite Chaplin zum Slapstick-König Amerikas aufgestiegen. Wenig später kannte ihn die ganze Welt - er war der erste internationale Filmstar und bald auch einer der reichsten Männer auf Erden mit einem Millionenvertrag, eigenem Studio und einem festen Mitarbeiterstab. Sein Markenzeichen: die unverwechselbare Silhouette des "Tramps" mit Melone, Stock, ausgebeulten Hosen und übergroßen Schuhen.TASCHEN präsentiert mit Das Charlie Chaplin Archiv das ultimative Buch über die Entstehung sämtlicher Chaplin-Filme. 900 Bilder, darunter Standfotos, Notizen, Storyboards und Fotos von den Dreharbeiten sowie Interviews mit Chaplin und seinen engsten Mitarbeitern bieten Einblick in die Arbeitsweise des Genies - von der spontanen Improvisation der frühen Kurzfilme bis zur akribischen Feinarbeit an Szenen, Einstellungen und Gags in seinen Filmklassikern The Kid (Der Vagabund und das Kind, 1921), The Gold Rush (Goldrausch, 1925), The Circus (Der Zirkus, 1928), City Lights (Lichter der Großstadt, 1931), Modern Times (Moderne Zeiten, 1936) und der unsterblichen Hitler-Parodie The Great Dictator (Der große Diktator, 1940).Das Buch enthält:Chaplins Leben und Werk in Text und Bild 900 Bilder, darunter zahlreiche zuvor unveröffentlichte Standfotos, Fotos von den Dreharbeiten, Aktennotizen, Dokumente, Storyboards, Plakate und Entwürfe sowie Drehbücher und Bilder zu Filmprojekten, die nie realisiert wurden Chaplins Lebensgeschichte in eigenen Worten, gestützt auf seine umfangreichen Aufzeichnungen, von denen viele noch nie zuvor zugänglich waren ergänzende Interviews mit einigen von Chaplins engsten Mitarbeitern Material aus über 150 Büchern mit Zeitungsausschnitten aus den Chaplin-Archiven, die von seiner Frühzeit im Variété bis zu seinem Tod reichen Dokumente zu sämtlichen Kurzfilmen - von Making a Living (1914) bis The Pilgrim (Der Pilger/Gehetzte Unschuld, 1923) - und sämtlichen Spielfilmen - von The Kid (Der Vagabund und das Kind, 1921) bis A Countess from Hong Kong (Die Gräfin von Hongkong, 1967) das englische Originalbuch sowie ein Booklet mit den deutschen ÜbersetzungenDokumente und Fotografien aus dem Chaplin-Archiv: © and/or Property of The Roy Export Company Ltd., eingescannt von der Cineteca di Bologna

Kleider machen Leute. Die Kleidung eines Menschen - egal ob Sari, Kimono oder Anzug - ist ein essenzieller Code seiner Kultur, Schicht, Persönlichkeit oder sogar Religion. Das 1978 gegründete Kyoto Costume Institute würdigt die Bedeutung der Mode aus soziologischer, historischer und künstlerischer Sicht. Mit ihrem breiten Spektrum an historischer Ober- und Unterbekleidung sowie Schuhen und Accessoires, vom 18. Jahrhundert bis in die Gegenwart, zählt die Kleidersammlung des KCI zu den größten der Welt. Geschichte der Mode begibt sich anhand dieser umfangreichen Sammlung auf eine faszinierende Reise durch Modetrends vom 18. bis zum 20. Jahrhundert. Brillante Fotografien zahlloser Kleidungsstücke, fachkundig drapiert an speziell gefertigten Ankleidepuppen, dokumentieren Kleidung als "einen wesentlichen Ausdruck unseres Dasein" und bezeugen die Leidenschaft des Instituts für Mode als komplexe und vielschichtige Kunstform. Zu den Verfassern des Buches gehören einige der klügsten Köpfe und schärfsten Augen im Bereich der Modeforschung: Akiko Fukai (Direktorin des Kyoto Costume Institute und Kuratorin em.), Tamami Suoh (Kuratorin am Kyoto Costume Institute), Miki Iwagami (Dozentin für Modegeschichte an der Bunka Gakuen University, Tokio), Reiko Koga (ehem. Professorin für Modegeschichte an der Bunka Gakuen University) und Rie Nii (Kuratorin am Kyoto Costume Institute).

Norman Rockwell (1894-1978), ein außerordentlich produktiver Künstler, fertigte in seinem Leben rund 4.000 Gemälde an, bei denen die immense Zahl seiner Auftragsarbeiten für Presse, Wirtschaft und Werbung noch gar nicht mitgerechnet ist. Sein Tod im Jahre 1978 wurde als Verlust einer nationalen Ikone wahrgenommen, eines Künstlers, der wie kein anderer den amerikanischen Traum zelebrierte . Experimente und avantgardistische Tendenzen waren Rockwells Sache nicht; brav, idyllisch und meist heiter stellte er Abschlussballszenen, Begegnungen im Diner, Thanksgiving-Essen im Familienkreis und andere beschauliche Szenen dar, die die weiße, amerikanische Mittelschicht in ihrem Gefühl bestärkten, in der besten aller möglichen Welten zu leben. Seine Titelbilder für die Zeitschrift The Saturday Evening Post und für Boys' Life , die Mitgliederzeitschrift der amerikanischen Pfadfinder, machten ihn zu einem Idol des wertkonservativen Amerika , dem man es auch verzieh, wenn er etwa Themen wie die Rassentrennung auf seine moderate Art aufgriff. Rockwell, den US-Präsident Gerald Ford als " lieb gewordenen Bestandteil der amerikanischen Tradition " pries, offenbart in seinen Werken ebenso viel über sein eigenes Talent wie über das Selbstbild der USA im 20. Jahrhundert. Dieser Band zeigt klassische Werke aus seinem heiteren und sonnigen Portfolio, aber auch einige ungewöhnlichere Arbeiten, die sich mit den Schattenseiten der Vereinigten Staaten auseinandersetzen.

Fotos haben eine merkwürdige Macht, unsere Wahrnehmung zu formen. Die bekanntesten Bilder gelangen ins kollektive Bewusstsein , definieren Epochen, schreiben Geschichte oder berühren etwas so fundamental Menschliches und Universelles , dass sie weltweit nachwirken. Um diesen einzigartigen Einfluss zu erforschen, beschreibt und analysiert Photo Icons 50 ausgewählte Meilensteine der Fotogeschichte. Von den allerfrühesten Fotografien wie Nicéphore Niépces in achtstündiger Belichtung entstandene Aufnahme eines Daches (1827) und Louis Daguerres berühmte Straßenszene (1838) bis hin zu zeitgenössischen Künstlern wie Martin Parr ist dies ebenso eine Geschichte des Mediums wie eine Fall-für-Fall-Analyse seiner sozialen, historischen und künstlerischen Wirkung . Photo Icons enthält experimentelle surrealistische Aufnahmen der 1920er und Bilder des düsteren Fotorealismus der 1930er Jahre wie Dorothea Langes Migrant Mother . Wir erleben die Macher (Che Guevara) und die Herzensbrecher (Marilyn Monroe), sowie überhaupt die gesamte Bandbreite menschlicher Emotionen und Erfahrungen , von denen die Fotografie so lebendig zeugt: Doisneaus berühmten Kuss vor dem Rathaus (1950) oder den Schrecken von Nick Uts Napalm gegen Zivilisten (1972), das die neunjährige Kim Phúc zeigt, wie sie nackt vor einer Napalmwolke fliehend auf die Kamera zuläuft.

Mit seinen Drucken, Plakaten, Gemälden und Zeichnungen verewigte Henri de Toulouse-Lautrec (1864¿1901) das Nachtleben der Pariser Belle Époque und rückte den Stadtbezirk Montmartre nachhaltig ins Interesse von Kreativen und Hedonisten in aller Welt.Fasziniert von dieser Welt des Zwielichts, zog es den kleinwüchsigen Spross aus altem französischen Adel in die Cafés, Cabarets, Dance-Halls und Bordelle des Pariser Vergnügungsviertels. Ihr Personal bot ihm, wie er selbst fand, ein "Theater des Lebens". Nicht nur dessen Stars wie Yvette Guilbert oder Aristide Bruant treffen wir auf seinen farblich hochraffinierten Gemälden, Lithografien und Plakaten, sondern auch die kleine Artistin oder Tänzerin, deren ausgemergeltem Körper man die Strapazen ihres Alltags ansieht.Wie kein zweiter Künstler bannte Toulouse-Lautrec die Jagd nach flüchtigen Vergnügungen während der Belle Époque auf die Leinwand, Jahre, in denen in Paris ein Tanz auf dem Vulkan stattfand. Hier die Halbwelt zwischen Rausch und Verzweiflung, dort eine Herrenklasse mit Zylinder und Zigarre: Toulouse-Lautrec überlieferte uns von beiden unvergessliche Bilder voller Schärfe und Mitgefühl.

Im Alter von sechs Jahren wollte Salvador Dalí (1904-1989) Koch werden, im Alter von sieben Napoleon sein. "Seitdem", sagt er später, "ist mein Ehrgeiz und damit mein Größenwahn stetig gewachsen. Jetzt will ich nur noch Salvador Dalí sein, das ist mein größter Wunsch." Dieser gewichtige Band ist die umfassendste Studie über Dalís Gemälde, die je veröffentlicht wurde. Nach jahrelanger Forschung gelang es Robert Descharnes und Gilles Néret, nahezu sämtliche Bilder des extrem produktiven Künstlers aufzuspüren. Viele Werke waren seit Jahren nicht zugänglich, fast die Hälfte der hier enthaltenen Abbildungen hatte vorher kaum jemand zu Gesicht bekommen. Weit mehr als ein Werkverzeichnis, untersucht dieses Buch Dalís OEuvre und seine Bedeutung im Kontext von zeitgenössischen Dokumenten, eigenen Schriften, Zeichnungen, Skizzen und Ephemera sowie sonstigen, für seine Arbeit relevanten Bereichen wie Ballett, Kino, Mode, Werbung oder Kunsthandwerk. Die Studie gliedert sich in zwei Teile: Der erste Teil untersucht die Anfänge Dalís als noch unbekannter Künstler . Wir erleben, wie der junge Dalí sämtliche vorherrschenden Stile - Impressionismus, Pointillismus, Kubismus, Fauvismus, Purismus und Futurismus - mit spielerischer Meisterschaft einsetzt und sich von Trends inspirieren lässt, bevor er sich darüber lustig macht. Der zweite Teil präsentiert die Ergebnisse von Dalís lebenslangem Anreiz, die Dinge zu hinterfragen, sowie das große Vermächtnis, das er in Werken wie Der Thunfischfang (1966/67) oder Der halluzinogene Torero (1970) hinterlassen hat. Der Band enthält bisher unveröffentlichte Hommagen an Velázquez oder Michelangelo - Variationen zu Alten Meistern, wie sie etwa zur gleichen Zeit auch Picasso anfertigte.

Rembrandt schuf über 80 Selbstdarstellungen in Form von Gemälden, Radierungen und Zeichnungen - mehr als jeder andere Künstler vor ihm. Das Selbstporträt war ihm vor allem stilistisches Experiment . Ob als verschmitzter junger Mann, in der Pose des Soldaten oder Orientalen, im biblischen oder mythologischen Gewand, mal als Melancholiker an der Staffelei, dann wieder als Bürger im Sonntagsstaat - jeder expressive Pinselstrich, jeder verschleierte Gesichtszug diente der Charakterisierung einer jeweils anderen Facette seiner Person. Durch die präzise Erfassung von Stimmungen, Mimik, und teils flüchtigen Momenten revolutionierte Rembrandt die Kunst des Selbstporträts . Nicht der repräsentative Idealtypus stand primär im Mittelpunkt, sondern die genaue Beobachtung eines Künstlers, der selbst sein häufigstes Modell war. Neben ihrer stilistischen Vielfalt und dem Gespür für das Menschliche bestechen die Werke durch große Experimentierfreude : die feinen, mit grober Rohrfeder in die feuchte Patina geritzten Locken, die subtil Licht reflektieren. Oder die radierten Bildnisse als virtuose Fingerübungen in der Darstellung des eigenen Mienenspiels. Anlässlich des 350. Todestages des Künstlers präsentiert dieser Band sämtliche Selbstporträts - von den ersten Werken im Alter von 22 bis zum letzten Bildnis, das kurz vor seinem Tod entstand.

Jackson Pollock (1912-1956), Rebell und tragischer Held des Abstrakten Expressionismus, wurde bereits zu Lebzeiten mythologisiert. Der "Hemingway der Malerei" hat dem Publikum alles geboten, was man von einem Genie erwarten darf: Trunksucht, Rowdytum, Größenwahn, Depressionen, einen frühen Tod in einem Autocrash und eine Kunst, wie es sie vor ihm nicht gegeben hat. Mit seinen abstrakten "Drip Paintings" schlug er ein gänzlich neues Kapitel der modernen Kunst auf.Nachdem er zu Beginn seiner Laufbahn noch figurativ gearbeitet und Einflüsse von den Surrealisten bis zur mexikanischen Wandmalerei verarbeitet hatte, fand er in der zweiten Hälfte der 1940er zu einem Stil, den er zwar nicht erfunden hatte, aber weltberühmt machen sollte. Als prominentester Vertreter des "Action Painting" kehrte er konventionellen Maltechniken den Rücken zu und schuf abstrakte Gewebe, indem er Industriefarben mit Stöcken oder eingetrockneten Pinseln auf die Leinwand spritzte oder direkt aus den Farbtöpfen tropfen ließ.In den auf diese Weise entstehenden Geweben aus Schlieren, Schwüngen, Tropfen und sich überschneidenden Rinnsalen spiegelte sich so auch der Bewegungsduktus des Künstlers wider. Um zu verhindern, dass der Betrachter in seinen Gemälden nach etwas Figürlichem sucht, gab Pollock ihnen eine Zeit lang keine Titel mehr, sondern identifizierte jedes seiner Werke lediglich durch eine Nummer.Pollock hatte ungeachtet seiner Erfolge in der zeitgenössischen Kritik stets mit schweren existenziellen Krisen zu kämpfen, die sein kurzes Leben überschatteten, der Legendenbildung jedoch durchaus förderlich waren. So ist diese Einführung in sein revolutionäres Werk auch die Geschichte einer medialen Inszenierung, die der gängigen Fantasie von Genie und Wahnsinn folgt.

Die Grundsituation ist simpel: Schwarze Katze liebt durchtriebene weiße Maus, die ihr immerzu Ziegelsteine an den Kopf wirft, was wiederum Hundepolizist Offissa Pupp, in heimlicher Liebe zur Katze entflammt, zu verhindern sucht. Krazy Kat, George Herrimans legendärer Zeitungsstrip, erschienen von 1913 bis zu Herrimans Tod 1944, variiert diesen Plot immer wieder neu und auf so geistreiche Weise, dass er dem jungen Medium Comic Fans aus Milieus einbrachte, die man nicht unbedingt für comicaffin gehalten hätte: Gertrude Stein, F. Scott Fitzgerald, Pablo Picasso, James Joyce, US-Präsident Woodrow Wilson, Jackson Pollock, Charlie Chaplin, Frank Capra, P.G. Wodehouse, Willem de Kooning, allesamt bekennende KK-Fans. Dass diese absurd-melancholischen Variationen zum Thema unerwiderte Liebe so lange erscheinen konnten, verdankte Herriman Medien-Tycoon William Randolph Hearst, der ebenfalls ein eingefleischter Fan war und Herriman in seinen Zeitungen Carte blanche erteilt hatte, was dieser hemmungslos dazu nutzte, die Möglichkeiten des Mediums radikal auszuschöpfen, alle formalen Grenzen zu sprengen und der Leserschaft nicht nur surreale, dadaistische Szenerien und eine Sprache zuzumuten, die Slang, Neologismen, phonetische Schreibweise, um die Ecke gedachte Anspielungen und Bildungsverweise durcheinanderwirbelte, sondern auch noch die Geschlechterrollen diffus ließ, was Krazy Kat wohl zum ersten gender-fluiden Star der Comic-Geschichte macht. Dieser Band enthält alle Krazy-Kat-Geschichten in Farbe aus den Jahren 1935-1944 und eine ausführliche Einleitung von Comicfachmann Alexander Braun, der Herrimans multi-ethnischen Background beleuchtet und dem Außergewöhnlichen dieses zeitlosen Gesamtkunstwerkes um eine queere Katze nachspürt.

Er gilt als der wichtigste historische Augenblick des 20. Jahrhunderts : Am 20. Juli 1969 lösten Neil Armstrong, Buzz Aldrin und Michael Collins ein Versprechen ein, das John F. Kennedy 1961 vor dem Kongress in Washington abgegeben hatte - noch vor dem Ende des Jahrzehnts einen Amerikaner auf dem Mond landen zu lassen. Jahre fieberhafter Arbeit, ein Stab von 400.000 Ingenieuren und Wissenschaftlern, ein Etat von 24 Milliarden Dollar und die gewaltigste Rakete, die je auf Erden gezündet worden war, ermöglichten schließlich ein noch nie da gewesenes Schauspiel, das von Millionen Menschen auf der ganzen Welt gebannt verfolgt wurde. Und niemand erzählte dieses spektakuläre Abenteuer besser als Norman Mailer. Als Großmeister der literarischen Reportage war Norman Mailer von der Zeitschrift LIFE beauftragt worden, über den Flug zum Mond in einer dreiteiligen Essayserie zu berichten - für ein dem Anlass angemessen fürstliches Honorar. Mailer, der über einen elektronischen Schaltkreis genauso packend schreiben konnte wie über die gesellschaftlichen Hintergründe eines Ereignisses und die Psychologie der beteiligten Akteure (die eigenen Befindlichkeiten stets eingeschlossen), gelang mit Auf dem Mond ein Feuer ein furioses Meisterwerk, das brillante Porträt einer Epoche, ihrer Obsessionen und ihres größten Spektakels. Illustriert wird diese Jubiläumsausgabe von Moonfire mit Hunderten von Fotografien und Plänen aus dem Fundus der NASA, aus Zeitschriftenarchiven und Privatsammlungen. Das Vorwort schrieb der Schriftsteller Colum McCann, führende Apollo-11-Experten steuerten die Bildlegenden bei, die die Geschichten hinter den Bildern erzählen und technische Details erläutern.

Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669) gilt als einer der wichtigsten Maler der abendländischen Kunst, doch zeigt sich sein unvergleichliches Talent besonders in seinem grafischen Werk. Mit nur wenigen präzisen Linien zauberte er ausdrucksstarke Gesichter und lebendige Momente aufs Blatt, was zur uneingeschränkten Bewunderung seiner Zeitgenossen führte. Rembrandts Zeichnungen decken sowohl inhaltlich wie stilistisch ein weites Spektrum ab. Ob mit Feder oder Pinsel, mit Kohle, farbigen Kreiden oder Tinte - die Figuren- und Gesichtsstudien belegen eindrucksvoll seine langjährige Beschäftigung mit dem menschlichen Ausdruck . Dazu kommen biblische Darstellungen , die er mit großem Erfindungsreichtum neu in Szene setzte. Die Radierungen bestechen durch den präzisen Umgang mit Licht und Schatten. Selbst schwer zu fassende Nachtdarstellungen und Landschaften in der Dämmerung hielt er mit seinem Grabstichel auf der Kupferplatte fest. Anlässlich des 350. Todestags des Künstlers versammelt diese XXL-Monografie erstmalig sämtliche Papierarbeiten Rembrandts - 708 Zeichnungen zum ersten Mal überhaupt in brillanten Farbabbildungen, sowie 314 hochwertig reproduzierte Radierungen .

Der große flämische Maler Pieter Bruegel der Ältere (ca. 1526/31-1569) war ein äußerst fantasievoller Maler und Zeichner. Seine wunderschönen, symbolträchtigen Landschaften sowie seine religiösen Bilder sind berühmt für ihre Volkstümlichkeit und ihren Blick auf das Alltagsleben der damaligen Zeit.Besonders intensiv widmete Bruegel sich dem Leben der Landbevölkerung, was ihm den Spitznamen "Bauernbruegel" einbrachte. Ob Jäger im Schnee oder ein ausgelassener Jahrmarkt: Bruegel erhob Landarbeit, Dorffeste und Bauernspiele zum Thema der Kunst. Doch auch seine imposanten Bilder mit religiöser und moralischer Thematik, darunter Triumph des Todes und Turmbau zu Babel, beeindrucken heute noch genauso wie im 16. Jahrhundert und haben, von den Schlachtszenen in den Herr der Ringe-Filmen bis hin zu Don DeLillos Roman Unterwelt, die zeitgenössische Kultur inspiriert.Von Bauern bei der Ernte bis zur Bekehrung des Saulus, von fröhlichen Hochzeitsprozessionen bis hin zum Kreuzweg Christi: Dieser Band deckt Bruegels gesamtes Schaffensspektrum ab und präsentiert sowohl seine biblischen als auch seine irdischen Tableaus.

Alfred Hitchcocks Karriere umspannt fast ein ganzes Jahrhundert Filmgeschichte. Anfänglich stark geprägt vom Expressionismus der Stummfilmära, fand er 1926 mit Der Mieter zu dem Genre, das sein überaus umfangreiches OEuvre beherrschen sollte: dem Thriller. Mit Der Mann, der zuviel wußte (1934) und Die 39 Stufen (1935) oder Eine Dame verschwindet (1938) schuf er frühe Meisterwerke des Spannungsfilms, deren kommerzieller Erfolg ihm Ende der 1930er den Sprung nach Hollywood ermöglichte. Dort drehte er in den folgenden Jahrzehnten Kultklassiker in Serie - Rebecca (1940), Cocktail für eine Leiche (1948), Das Fenster zum Hof (1954), Über den Dächern von Nizza (1955), Vertigo (1958) oder Der unsichtbare Dritte (1959) - und arbeitete mit den größten Schauspielerinnen und Schauspielern seiner Zeit. Mit dem unerwartet brutalen und überaus raffinierten Schocker Psycho (1960), einer Low-Budget-Produktion für nur 800.000 Dollar, sprengte er schließlich alle Genrekonventionen und schuf einen Meilenstein der Filmgeschichte und einen modernen Mythos. Dieses Buch zeichnet Hitchcocks kompletten Werdegang nach, von den ersten Gehversuchen im Filmgeschäft in der Stummfilmära und seinem Durchbruch in England über die großen Klassiker bis zu seinem Spätwerk in den 1970ern mit Frenzy (1972) und Familiengrab (1976). Neben zahllosen Filmfotos und historischen Kinoplakaten enthält der opulent bebilderte Band auch Aufnahmen von den Dreharbeiten, die einen Blick hinter die Kulissen einer Hitchcock-Produktion gewähren, und eine illustrierte Liste all seiner berühmten Cameo-Auftritte.

Jugendstil, Adolf Loos, Frank Lloyd Wright, Neoklassizismus, Peter Behrens, De Stijl, Bauhaus, Konstruktivismus, Antoni Gaudí, Gartenstadt, Mies van der Rohe, Le Corbusier, Frank Lloyd Wright, Richard Neutra, Oscar Niemeyer, Louis I. Kahn, Alvar Aalto, Postmoderne, Shigeru Ban, Hightech-Architektur, Frank Gehry, Dekonstruktion, Renzo Piano, Norman Foster, Zaha Hadid - die Architektur des 20. Jahrhunderts, die Architektur der Moderne ist reich an illustren Namen, Ismen, großen Ideen und Schlagworten. Keine andere Epoche zuvor hat die Architektur, die immer auch Seismograf gesellschaftlicher Veränderungen ist, mit einer derart rasanten Entwicklung konfrontiert, mit dramatischen soziokulturellen Verwerfungen, neuen Mentalitäten, veränderten Sehnsüchten und zuvor unbekannten Bauaufgaben, aber natürlich auch mit einer Vielzahl an neuartigen Materialien, Arbeitstechniken und Technologien. Wer schon länger das ultimative Nachschlagewerk zur modernen Baukunst sucht, hat es hiermit gefunden: TASCHENs Architektur des 20. Jahrhunderts folgt den Entwicklungslinien, Rauminszenierungen und den an Pathosformeln nicht armen architektonischen Debatten des 20. Jahrhunderts bis hin zu den Tendenzen der Gegenwart. Neben den Stars der Architekturwelt und kanonisierten Bauten von ikonischer Qualität werden auch städtebauliche Entwicklungen und Außenseiterpositionen dargestellt. Chronologisch angeordnete Kapitel verschaffen einen exzellenten Überblick über Genese und Entwicklung einzelner Strömungen und Bewegungen . Zusammen mit den vielen Hundert großformatigen Fotos, Entwürfen und Grundrissen sowie Kurzbiografien der wichtigsten Architektinnen und Architekten im Anhang ist so eine fundierte und spannend zu lesende Architekturgeschichte entstanden.

The Government of the People of the State of Indiana is an unchanged, high-quality reprint of the original edition of 1897.Hansebooks is editor of the literature on different topic areas such as research and science, travel and expeditions, cooking and nutrition, medicine, and other genres. As a publisher we focus on the preservation of historical literature. Many works of historical writers and scientists are available today as antiques only. Hansebooks newly publishes these books and contributes to the preservation of literature which has become rare and historical knowledge for the future.

Vom Book of Kells über Boccaccios Decamerone und von der Wiener Genesis bis zu Dantes Die Göttliche Komödie: Wer Codices illustres aufschlägt, betritt eine äußerst kostbare und private Welt. Dieses strahlende Werk, das nun in einem neuen Format erscheint, bietet Ihnen die einmalige Gelegenheit, 167 der schönsten und wichtigsten Manuskripte des Mittelalters zu bestaunen.Die hier brillant und großformatig reproduzierten Paradebeispiele für Miniaturmalerei und Illumination vom 4. Jahrhundert bis 1600 gehörten einst einigen der mächtigsten Herrschern der Geschichte. Heutzutage sind die kunsthistorischen Schätze ein Vermögen wert und werden typischerweise in Privatsammlungen oder schwer zugänglichen Archiven vergraben. Jetzt haben Sie die Chance, sie endlich zu Gesicht zu bekommen!Obwohl der Schwerpunkt auf abendländischen Manuskripten liegt, zeigen Beispiele aus Mexiko, Persien und Indien, wie raffiniert und aufwendig auch die Buchmalerei außereuropäischer Kulturen war. Eine informative Synopsis jedes einzelnen Manuskripts erlaubt einen schnellen Überblick, der 36-seitige Anhang enthält neben Biografien der Künstler und einer umfassenden Bibliografie einen Index und ein Glossar, in dem die verwendeten Fachausdrücke erläutert werden.

Ein gebildeter, geistreicher Humanist, der dem Schrecken über die Abgründe im Menschen mit Gelächter begegnet. Bruegels komplexe Bilderzählungen sind von zeitloser Wirkmacht. Diese XL-Monografie versammelt alle 39 Bruegel zugeschriebenen Gemälde, 65 Zeichnungen und 89 Radierungen - jedes Stück ein einzigartiges Zeugnis der religiösen Vorstellungen, der Alltagskultur und gesellschaftlichen Verhältnisse seiner Epoche, vom biblischen Turmbau zu Babel bis zu den volkstümlichen Bräuchen der Landbevölkerung.

Mit seinen gigantischen politisch-revolutionären Wandbildern wurde Diego Rivera zu einem der bedeutendsten Vertreter des mexikanischen Muralismo. Seine Arbeiten thematisieren die Geschichte seines Landes von der vorspanischen Zeit bis zur mexikanischen Revolution und modernen kommunistischen Arbeiterbewegung.

Eine Hommage an die Schönheit, Romantik und Poesie der Stadt an der Seine mit rund 300 Bildern. Mit seinem Blick in die Vergangenheit und Gegenwart von Paris, auf seine monumentale Pracht und seinen alltäglichen Charme ist dieses Buch zugleich ein Album legendärer Fotografen wie Atget, Doisneau, Kertész und Cartier-Bresson. Mit einem Anhang mit rund 100 Büchern, Filmen und Schallplatten, die von Paris inspiriert wurden."Ein lichtes, dichtes Porträt von Paris."- International Herald Tribune, Paris